No art form passes our conscience in the way film does, and goes directly to our feelings, deep down into the dark rooms of our souls. -- Ingmar Bergman.
El Señor Michael Bay, hackteur extraordinaire y perpetrador de películas como Pearl Harbor, Armageddon, The Island y la presente, es reconocido por una técnica que él mismo ha denominado muy apropiadamente como “Fucking the Frame.”
Los que alguna vez hayan visto una película suya inmediatamente sabrán a lo que se refiere con esa expresión, la cual consiste en atiborrar la pantalla de efectos especiales y explosiones, generalmente acompañadas por uno o varios rostros que, sudorosos y contemplativos, las admiran en cámara lenta en tomas de 360 grados. Todo esto con un acompañamiento musical tan solemne que no nos deja dudas de que estamos viendo algo verdaderamente importante y trascendental.
Cuando se trata de películas como Transformers: Revenge of the Fallen, tratar de analizar los temas expuestos por el director y proyectarlos hacia su persona es un ejercicio futil, pero en este caso es imposible no hacerlo. Hacer una película es una aventura tan complicada, tan personal, y el resultado tan reflectivo de quien la crea, que separ la obra del creador también es imposible.
Más que cualquier otra película de su infame obra, Transformers: Revenge of the Fallen desnuda totalmente a Michael Bay y nos deja muy claro quién es como individuo - desde su visión del mundo, sus preferencias políticas, sus ideas sobre la mujer y las minorías, sus habilidades como realizador, y sobre todo, el que cree es el coeficiente intelectual promedio del público al que dirige sus películas.
Los guionistas Roberto Orci y Alex Kurtzman hablan de que, a ley de semanas de iniciar la huelga de escritores de hace un año, Michael Bay los encerró en un cuarto de hotel durante un mes para que escribieran el guión de esta película, y viendo el resultado de su trabajo, no nos queda otra cosa que preguntarnos exactamente qué hicieron durante todo ese mes.
El 90% de Transformers: Revenge of the Fallen es la definición misma de la palabra relleno – una mezcla de personajes nuevos y conocidos tan insípidos como los “gags” con los que les toca ridiculizarse en pantalla, situaciones tan risibles como la existencia de un “cielo” al que los Transformers idos a destiempo van a morar y el que algunos humanos visitan para recibir lecciones de vida de última hora, robots con testículos, robots viejos con barba y bastón, y otros tintes de “humor” que sólo sirven para demostrar el carácter de la mente detrás de ellos.
Porque peor que una película mala o mediocre -cosa en la que el senor Bay tiene experiencia de sobra- es una película mala o mediocre con una idelogía podrida, llena de ideas tan asqueantes como ofensivas que lamentablemente parecen pasar de largo por las cabezas de una audiencia que se traga todo lo que Bay les pone en el plato sin pensarlo dos veces : desde el más ridículo pro-militarismo barato, racismo [los robots mellizos deben tener al Dr. Luther King revolcándose en su tumba], e iguales dosis de sexismo, homofobia, y objetivización de la mujer... ¡A reir todos!
Es curioso que esta película y Star Trek fueran escritas por el mismo equipo de guionistas. Ambas comparten un par de similitudes: un villano terrible y una historia repleta de huecos argumentales que no aguantaría el escrutinio más simple. Pero hay una enorme diferencia entre ambas: dicen que los buenos guiones podrían dirigirse hasta sólos, pero los malos necesitan contar con la mano de un director que sepa sortear sus deficiencias, y Star Trek logra superar con resonante éxito todas esas limitaciones porque cuenta con un director que conoce la importancia de balancear acción con character development, y el resultado es una película veraniega excepcional.
Durante el período de promoción de esta película, Michael Bay hablaba de lo felíz que se sentía de que para esta entrega contaba con mayor “libertad artística” que en la primera, la que aunque disfrutamos con reservas, ahora parece una obra maestra en comparación. Esta mentada libertad artística trae como resultado mostrar sin filtros la “sensibilidad artística” de su creador, la cual incluye melodrama del peor tipo, humor basado en estereotipos, fetichismo militar y labios de silicón.
Cuando John Turturro, a quien esperamos que el cheque que cobró por hacer el ridículo le alcance por un tiempo, demanda al mentado robot con bastón y barba que no alargue su historia, que se limite a contar "Beginning, middle, end! Cut the crap!" nos reíamos sólos al pensar que esto se podría tratar de alguna meta-broma dadaísta [le estamos dando demasiado crédito a Bay], o si los mismos personajes ya rogaban igual que nosotros que la tortura de presenciar esta película terminara lo más pronto posible.
Recuerdo cuando en mis clases de economía los profesores hablaban de la teoría de Milton Friedman, de que a pesar de la mano interventora del hombre, los mercados tienden a corregirse a sí mismos. General Motors, obviamente principal patrocinador de Transformers, es la víctima más reciente de esa autocorrección del mercado, y un reflejo de todo lo malo que representan tanto ella como empresa como Transformers de algunos aspectos de la cultura norteamericana – el gusto por el derroche, lo agrandado y poco funcional, lo estridente y vacío. Pero como los mercados tarde o temprano deben corregirse a sí mismos, Hollywood y este tipo de cine también tendrán que hacerlo.
Se acabaron las excusas de siempre de que “es una película de verano para hacer dinero”, películas comoThe Dark Knight, Star Trek y todas las de Pixar han demostrado que se puede reunir lo mejor de ambos mundos sin sacrificar excelencia por recaudar más o menos dinero.
Transformers: Revenge of the Fallen no es sólo absurda, es irritantemente absurda, escandalosa, estúpida, hueca, y la representación en unos interminables 150 minutos de lo peor de Hollywood como industria.
Afortunadamente en estos días contamos con el Cinema al Aire Libre en Montjuïc y el inminente estreno de Up y Public Enemies para quitarnos este sabor a podrido de la boca.
Hace seis años, tres cinéfilos soñadores tomaron la iniciativa de traer a Barcelona un proyecto parecido al que ya habían visto se desarrollaba con muchísimo éxito en París – el Festival de Cinéma en Plein Air que se realiza todos los años en el Parque de la Villette.
Este tipo de actividad en la que se proyectan películas al aire libre ya era sumamente popular en Nueva York con el Cinema Under the Stars que se hace en Bryant Park, y el Cinema de la Plage en Cannes, al que tuvimos la dicha de asistir hace unas semanas y fue una experiencia única e inolvidable.
Ahora los tres socios fundadores de MODIband cuentan, entre otros, con el apoyo del legendario Cine Verdi del barrio de Gracia [el santuario definitivo del cinéfilo Barcelonés dedicado], y con ello esta edición del 2009 de Sala Montjuïc promete ser la más grande y ambiciosa de su breve historia.
Como es ya tradición, todas las películas serán proyectadas en 35mm, en su idioma original y con subtítulos en castellano.
Durante cinco semanas, iniciando el 29 de Junio y extendiéndose hasta el 31 de Julio, las proyecciones serán cada lunes, miércoles y viernes a partir de las 10:oopm. Previo a cada proyección también habrá música en vivo para acompañar a los que decidan hacer picnics, y un cortometraje antes de la presentación de la atracción principal de la noche.
Las entradas tienen un costo de 5 Euros y pueden adquirirse en el mismo recinto el mismo día de la proyección, pero lo que recomiendo es adquirirlas con tiempo a través de Servicaixa, quienes tendrán una disponibilidad de 500 entradas en preventa. El lugar tiene aforo para 2,500 espectadores, pero las entradas se agotan rapidísimo. Para los que no quieran tumbarse en el césped, también se estarán alquilando tumbonas por 3 euros.
Para hacerlo más atractivo aún, los días de proyección se ha habilitado un servicio de bus TOTALMENTE GRATUITO que saldrá desde las torres venecianas de Plaza España directo hasta el Castillo de Montjuïc. La Sala Montjuïc se encuentra en el Campo de Tiro con Arco ubicado en uno de los laterales del Castillo.
A los lectores Barceloneses [que me consta son muchos aunque nunca digan nada], ¡anímense y nos encontramos allá!
La programación de este año es tan variada y rica en títulos contemporáneos importantes y clásicos esenciales, que nos deja boquiabiertos :
Esta es una de esas películas que en su momento muchos minimizaron como “otra película de ladrones y policías”, pero tratándose de quien dirige, ese tipo de valoraciones no tienen peso alguno.
La riqueza temática de esta merecidísima ganadora del Oscar [por encima del esperpento llamado Babel] puede que no sea demasiado aparente a primera vista, pero una historia que en manos de otro no hubiese pasado del cliché mencionado al principio, Martin Scorsese la imbuye de tintes operáticos y Shakespeareanos: figuras paternas ausentes y figuras paternas draconianas, identidas escondidas, dos hombre que representan el ying y el yang de una mismo caracter, una figura femenina en el centro de todo, y, por supuesto, una rata al final – todo esto con el virtuosismo visual del director norteamericano más importante desde John Ford.
Hace mucho que estaba por revisar este título nuevamente y comprobar aquella teoría de que –inspirándose en el Scarface original de Howard Hawks– Scorsese nos presenta repetidamente la X como símbolo de la inevitabilidad de la muerte.
Este tipo de detalle es el que separa a Scorsese del resto.
En unos días hablaré de Das Weisse Band, la película que finalmente le consiguió la Palma de Oro a Haneke en Cannes, y es interesante identificar en aquella y en la presente a un autor obsesionado con un mismo tema que se repite una y otra vez en su obra: encontrar el huevo de la serpiente, el origen de un mal que parece inexplicable.
Esta es una de esas películas que se hizo para verse con mucho público.
Siempre me ha parecido una obra menor de Hitchcock, pero a pesar de eso, esta es una de las contadas ocasiones en la que se ha logrado con tal contundencia hacer un suspense en el que sea la naturaleza la que se vuelve al hombre como villana. The Happening, a menos que se vea como una comedia disparatada, no cuenta.
Verla por primera vez en pantalla grande es una oportunidad que no debe desperdiciarse.
Ello sólo sirve para reafirmar que una historia individual no tiene importancia en el contexto de una sociedad en la que la omnipresencia del mal lo arropa todo.
Lo que dije de ella en mi recuento de lo mejor del año pasado:
“Luego de Contra La Pared, película que también vimos en la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo, en Al Otro Lado Fatih Akin continúa con su deseo de establecer una relación entre sus dos tierras, Alemania y Turquía, y el resultado, al igual que en Contra la Pared, es magnífico.
De igual forma que Andrés Baiz en Satanás , Fatih Akin no utiliza la técnica de estructura fragmentada y personajes entrelazados para crear momentos revelatorios sorprendentes en los que en situaciones que desafían la lógica los personajes o nosotros como audiencia descubrimos su interconexión. No. El interés de Akin no es tan efectista o simplista, lo suyo es que él como director y nosotros como audiencia encontremos las paradojas existentes en esas conexiones y hasta nos riamos de ellas. Desde la forma en que la muerte divide a unos y une a otros, y cómo padres e hijos se separan para luego terminar en los mismos lugares buscando las mismas cosas.”
Música en vivo:
9:00pm - Calamento, Flamenco Fusión
Presentación del Cortometraje:
10:00pm - Cabaret Kadne , Marc Riba i Anna Solanas, 2008.
Como dije hace un par de meses, Volver es en parte una película sobre la muerte y la forma en que se lidia con ella. Aunque al principio podría dar la impresión de que Almodóvar romantiza con el uso del realismo mágico la idea de morir y regresar para velar por los que se dejan detrás, en la mejor tradición del neorrealismo italiano al que hace reverencia con sus heroínas, nos regresa a la realidad de un tirón. Al final nos queda claro que en la vida real los problemas no son resueltos mágicamente por presencias del más allá, sino por los sacrificios hechos por las gentes [si le preguntan a Almodóvar, casi siempre mujeres] dispuestas a hacerlos.
Esta es otra que siempre menciono al que me pregunta que por qué amo al cine.
Ver esta película, la declaración definitiva de lo que significa el cine como proceso creativo colectivo, es un verdadero regalo a los sentidos. Un regalo de Truffaut al género.
Música en vivo:
9:00pm - Triandó, Flamenco-Fusión
Presentación del Cortometraje:
10:00pm - 7:35 de la Mañana, Nacho Vigalondo, 2003.
Directores como Robert Hamer y Alexander Mackendrick, dos de los propulsores de la auténtica comedia negra británica durante sus años en los estudios Ealing, se sentirían orgullosos al ver una película como esta.
Hace unas semanas tuve la oportunidad de visitar Brujas, una de las ciudades más hermosas que he visto en mi vida, y no puedo esperar para estar allí de nuevo, en ese “fucking shithole!”, junto a estos personajes.
Otra brillante entrada de ese nuevo cine proveniente del medio oriente.
En la misma tradición de la extraordinaria película iraníChildren of Heaven, en esta que fue la primera película rodada en Iraq desde la caída del regimen de Saddam Hussein, somos testigos de la inquebrantable inocencia de los niños contrapuesta a la terrible realidad que les rodea.
Música en vivo:
9:00pm - Giulia y los Tellarini, Música Indie [seguro que tocan Barcelona, el tema principal de Vicky Cristina Barcelona]
Todo lo que debo decir sobre WALL•E ya lo he dicho en muchas ocasiones aquí mismo. Cuento los minutos para ver Up.
Música en vivo:
9:00pm - Ricky Araiza Trio, Country
Presentación del Cortometraje:
10:00pm - Nena! Lluís Segura, 2008.
¿Quién se anima por fin a hacer un evento como este en Santo Domingo?
También hay que recordar que hoy inicia la Fiesta del Cineen toda España.
Si hoy domingo 21 vas a uno de los cines participantes y pagas una entrada a precio regular, mañana lunes 22 y el martes 23 puedas ver cualquier película que quieras en cualquier horario y cuantas veces quieras por sólo 2 Euros.
Algunos de los mejores cines V.O.S [Versión Original Subtitulada] de Barcelona como los Yelmo Icaria y los Renoir Les Corts y Floridablanca están en la lista de salas adheridas a la promoción.
A los que se la pasan quejando que en España se paga una de las entradas al cine más caras del mundo y no paran de ver sólo películas pirateadas, aquí tienen una oportunidad de volver a ver, aún sea por un par de días, el cine como se debe:
Desde que regresé de Cannes, otros viajes y muchísimas tareas y proyectos finales del Master que estoy cursando me han mantenido alejado de este espacio.
Tan raudo y veloz como Alec Guiness en este poster de The Man in the White Suit [una de mis favoritas] volveré en breve con las reseñas de Inglorious Basterds y, mi favorita de todo el Festival y ganadora de la Palma de Oro, Das Weisse Band.
Isabelle Huppert ha trabajado con Michael Haneke en dos ocasiones. La más célebre sin dudas es la extraordinaria La Pianiste, película por la que ganó el premio a Mejor Actríz – su segundo, es la única mujer en la historia del Festival en lograrlo –en la edición del 2001. En aquella ocasión, el jurado presidido por Liv Ullman prefirió premiar a la olvidable The Son’s Room.
La Pianiste ganó todos los premios que podía ganar película alguna en aquel año, todos a excepción de la Palma de Oro, y desde ese entonces Cannes tenía una deuda con Haneke que hoy quedó saldada.
Desafiando las predicciones de que un jurado presidido por Huppert no le otorgaría el premio a Haneke para evitar comentarios de favoritismo y conflictos de independencia, Das Weisse Band se llevó la Palma de Oro.
Ya hay especulación de fuertes choques entre los miembros del jurado, Variety reportando lo siguiente:
“Antes de la ceremonia de premiación, ya circulaban rumores de las fuertes discusiones entre miembros del jurado. Un miembro en particular describió su experiencia como la peor labor de jurado de toda su carrera, mientras otro describió a Isabelle Huppert como “fascista.” En el escenario, una Huppert visiblemente tensa se refirió a “una inolvidable semana” y a “muchas horas, muchos momentos de deliberación.”
Me faltaron muchas películas de la Sección Oficial por ver, pero dudo mucho que alguna de ellas pueda superar a Das Wiesse Band. Dentro de un grupo de ganadores cuestionables, el triunfo de Haneke debe celebrarse.
Grand Prix
Un Prophète de Jacques Audiard.
La película con mejor recepción de la crítica y la prensa se tuvo que conformar con el Grand Prix.
Prix Spécial du Jury
Alan Resnais por Les Herbes Folles.
Prix du Jury
Ex aequo para Fish Tank de Andrea Arnold y Thirst de Chan-Wook Park.
Prix de la Mise-en-Scene [Mejor Director]
Kinatay de Brillante Mendoza.
Uno de los premios más discutidos de la noche. El “temible” Brillante Mendoza [como lo llama Carlos Boyero] se lleva el premio por una de las películas destrozadas por prensa y crítica. Tarantino es uno de los fanáticos más entusiastas de Kinatay, comparándola con Casualties of War, la obra de culto de Brian De Palma.
Prix du Scenario [Mejor Guión]
Spring Fever de Lou Ye.
Otro premio discutido para otra de las películas peor tratadas por la prensa y críticos. Puede ser un premio de simpatía por la controversia generada por el conservador gobierno chino ante su tratamiento del tema homosexual.
Camera d'Or [Mejor Ópera Prima]
Samson and Delilah de Warwick Thorton.
Prix d'interpretation Masculine [Mejor Actor]
Christoph Waltz por Inglourious Basterds.
El premio más merecido de la noche.
Christoph Waltz, un simple actor de telenovelas en Alemania, se convirte en uno de los personajes más Tarantinescos con una actuación que será una de las más comentadas de todo el año. La estrella de Inglorious Basterds no son ni Brad Pitt ni los Basterds [que apenas salen para decepción de muchos], sino el Coronel Landa, cazador de judíos fugitivos.
Cuando agradeció a Tarantino en su discurso, la cara de disgusto de Isabelle Huppert fue más que evidente para los que vimos la ceremonia televisada.
Los problemas ocurridos entre Tarantino y Huppert el año pasado la hicieron marcharse furiosa del rodaje de Inglorious Basterds y abandonar su papel. Luego fue reemplazada por Cloris Leachman, pero a fin de cuentas su historia fue eliminada de la versión presentada en el Festival, igual que sucedió con la de Maggie Cheung.
Todavía hoy nadie sabe qué fue exactamente lo que sucedió entre ambos. Con Huppert como presidenta del jurado, Tarantino y su película no tenían vela en este entierro.
Prix d'interpretation Feminine [Mejor Actríz]
Charlotte Gainsbourg for Antichrist
Extraño que un jurado presidido por una mujer, y que esa mujer sea precisamente Isabelle Huppert, premie una película acusada desde ser una vergüenza para sus actores hasta la más misógina de la historia del cine.
Ante tales reacciones, es imposible no esperar con locura ver esta película.
Asistir a Cannes fue un sueño de toda una vida hecho realidad que pretendemos repetir el año próximo. ¡Salud!
[Gracias especiales a todos los que -anónimamente y desde todo el mundo- siguieron esta cobertura y que nos hicieron romper el récord de visitas en estos últimos días: más de 3,000 diariamente]
Hoy sábado en la Croisette se observaba más movimiento que nunca. Según escuché, el último día de competencia es el más movido - la gente sale por sus compras de último minuto, a tomar las últimas fotos, a caminar por sus lugares favoritos y absorber todo lo posible en estas últimas horas que quedan. Lo mismo he hecho yo.
Cuando escribo estas líneas son las 11:49pm, y para estas alturas ya más del 85% de los medios que estuvieron cubriendo el Festival se han marchado o lo harán mañana antes del mediodía como haré yo. Muy poca gente se queda para la ceremonia de premiación que se realiza mañana a las 7:15pm en el Grand Théâtre Lumière del Palais. Conseguir una invitación es imposible a menos que seas una celebridad A+, un jefe de estudio o amigo del mismo Dios.
En estos últimos dos días, luego de 10 jornadas de cine de vanguardia, artístico, profundo, de tesis, tanto la prensa como los críticos ya están saturados o hastiados. Yo no, podría quedarme aquí toda la vida.
Ayer la batalla estuvo peor que nunca y no pude conseguir invitaciones ni para Visage de Liang-Ming Tsai ni Map of the Sounds of Tokyo de la catalana Isabel Coixet, pero al parecer no me perdí de mucho.
Liang-Ming Tsai junto al elenco que incluye a Fanny Ardant en la alfombra del Palais.
Liang-Miang Tsai es una de las voces más importantes del nuevo cine asiático y un director de cine de vanguardia de tal valía, que el Museo de Louvre le comisionó para realizar esta película que suena muchísimo a La Nuit Américaine de Truffaut desde su premisa misma [la realización de una película dentro de una película] hasta su elección de Jean-Pierre Léaud como protagonista.
Aunque considero a Goodbye, Dragon Inn la muestra de una visión brillante, una de las mejores películas de su año, nada de lo que ha hecho Tsai desde entonces he llegado a esos niveles. Visage, que al menos aparenta ser un festón visual, parece que tampoco lo logra;
“In “Face”, a Taiwanese director shoots his own version of the Salome myth in Paris. This may sound too simple a description for Tsai Ming-liang’s eccentric work, but without it, the viewer will have to wait until the final third of the movie to work out what’s going on. Less emotional and more theoretical than anything he has done before, Face will appeal exclusively to Tsai Ming-liang’s devoted fans who find themselves in familiar territory here, but the rest of the audience may be baffled – to say the least. Art house and festival interest is, as always, likely, but prospects seem highly limited beyond that. ” – Screendaily.
“Although it occasionally sports a pretty "Face," Tsai Ming-Liang's laborious Francophone feature winds up seriously irritating the skin without ever actually getting under it. First project under the Louvre Invites Filmmakers program is about -- either ironically or prophetically -- a Taiwanese director's catastrophic attempts to shoot the myth of Salome in France. Filled with the helmer's habitual shenanigans, and including a cast of Gallic stars, pic nonetheless feels shoddily conceived and highly overindulgent, even for Tsai. Only diehard fans will hark to this strictly arthouse item, which reps a shaky cinematic debut for Gaul's foremost house of art.” – Variety.
Isabel Coixet al centro junto a sus protagonistas, Rinko Kikuchi [de Babel] y el también catalán Sergi López.
Isabel Coixet tampoco corrió con mucha suerte con su película sobre una joven japonesa con doble vida – carnicera en un mercado y matona a sueldo – generando incluso abucheos en el pase de prensa de la mañana:
“Map of the Sounds of Tokyo ('09 Coixet): 26. Jesus, what a fucking hack. Just an embarrassment. I hope bribes were involved, at least.” – Mike D’Angelo, desde su Twitter.
“Pretty to look at but largely vacuous, Spanish helmer Isabel Coixet's romantic drama "Map of the Sounds of Tokyo" plays like a perfume ad without a product. The Tokyo-set yarn about a Japanese hit-femme who falls for a Spanish man she's supposed to whack reps a vague cross between "Nikita" and "Last Tango in Paris," but without the former's kinetic action or the latter's resonance.” – Variety.
“Todo tiene vocación de intensidad, de hondura trágica y de romanticismo febril en la crónica de este amor sin futuro. La estética alberga pretensiones de lujo, pero yo la asocio más bien con los spots publicitarios de presupuesto holgado empeñados en la mentirosa misión de encontrar la poesía. No dudo de la sinceridad de esta relamida autora al hablar en todo su cine de las sensaciones del corazón, de los amores difíciles, de las separaciones torturadas, de soledades que se encuentran, de la cercanía de la muerte y demás parafernalia sentimental, pero no hay forma de que me sienta contagiado o conmovido por universo tan trascendente. Tengo la fastidiosa seguridad con sus películas de que siempre sé lo que van a decir, a hacer y sentir los personajes, la música que va a sonar, las imágenes con las que van a ilustrar los lacerantes estados de ánimo. Y, sobre todo, la permanente condición por parte de Isabel Coixet de que está pariendo arte hipersensible.” – Carlos Boyero, El País.
Uno de los encantos de Cannes indudablemente es la atmósfera que se respira en las proyecciones. Nada es más placentero que ver una película con una audiencia que ama el cine y aprecia tanto lo que ve como uno, creando una sensación que es difícil de explicar, es la esencia misma de lo que debe ser una visita al cine – una vivencia comunal mágica.
Mañana a las 7:15pm hora del centro de Europa es la ceremonia de premiación. Aquí apostamos a Das Wiesse Band de Michael Haneke y Un Prophète de Jacques Audiard para la Palma.
Las reseñas de Inglorious Basterds y Das Wiesse Band se irán publicando en esta semana.
Si por recibimiento de la prensa se tratara, Un Prophète de Jacques Audiard sería la ganadora de la Palma de Oro en dos días, pero lo bueno de Cannes es que aquí no valen influencias de terceros, estadísiticas, precursores ni predicciones, el jurado elige lo que quiere y lo que le gusta.
La vista desde dentro del Palais hacia la alfombra.
La Palma está en todas partes.
Sentado en el Grand Théâtre Lumière dentro del Palais. IMPRESIONANTE. Dos mil quinientos cinéfilos en un sólo lugar.
En la parte de abajo se sienta el jurado.
La gigantesca pantalla. Jamás he visto una igual.
Comienza Inglorious Basterds y hay una ovación de 5 minutos cuando aparece el nombre de Tarantino.
Podría vivir en esta ciudad toda mi vida. Aquí absolutamente todo huele y sabe a cine.
Cannes es probablemente el único lugar del mundo en el que puedes pasar dos horas mientras esperas el autobús que no llega [la ciudad tiene el PEOR sistema de transporte del mundo] conversando con cinéfilos de todo el mundo sobre las diferencias entra la etapa alemana y americana de la carrera de Fritz Lang, o siCléo de 5 à 7 de Agnès Varda se podría considerar como parte de la Nouvelle Vague, una hora más tarde estar en una fiesta con Paris Hilton y Mick Jagger o ver de lejos a Brad Pitt y Angelina Jolie y a Tarantino. Todo en el mismo día.
De la sección oficial ya he visto Inglorious Basterds, Los Abrazos Rotos, Looking for Eric, Des Wiese Band y Enter the Void. De Inglorious Basterds hablaré en breve. De Des Wiese Band, otra obra impecable del maestro Michael Haneke que probablemente finalmente le haga ganar la Palma de Oro, hablaré in extenso también en breve.
Mañana es ya el último día de competencia, y estoy moviendo cielo y tierra para ver Visage de Liang-Ming Tsai. Aunque se cuente con acreditación, entrar a ciertos screenings se convierte en una lucha de poder y aguante bastante interesante de la que también hablaré luego.
Ahora me preparo para ir a La Croisette y ver en el Cinema de la Plage el clásico de Jacques Tati Les Vacances de Monsieur Hulot con el sonido del mar como música de fondo. No tengo mucha paciencia con Tati, pero así hasta Gigli se ve con gusto.
A la distancia, casi imperceptible a primera vista, se divisa una pareja abrazándose en las arenas negras del golfo de la isla de Lanzarote. ¿Qué historia se esconderá tras ese abrazo?
Las historias de Almodóvar en su gran mayoría [por no decir todas] parten de experiencias muy personales, no en vano siempre cita a su madre y su crianza en La Mancha como su mayor fuente de inspiración, pero en Los Abrazos Rotos por primera vez toma como punto de partida algo tan impersonal como la imagen de una fotografía tomada por él mismo accidentalmente. El desvelar la cadena de eventos imaginarios que llevó a esta pareja a sellar con un abrazo el encuentro que se observa en la foto es la perfecta excusa para tomar algo impersonal y furtivo, y tornarlo brutalmente propio, utilizando para ello su segunda mayor fuente de inspiración: El cine.
La prensa española no tuvo piedad con Los Abrazos Rotos. Afortunada y justamente, aquí en Cannes la reacción ha sido otra. Pedro Almodóvar ha llegado a un punto de celebridad que en España sus películas son eventos que logran mayor atención que cualquier producto Hollywoodense, y él, siendo un hombre que ama autopromocionarse y vender sus películas tanto como hacerlas, no pierde oportunidad para conseguir que se hable de sus proyectos, ya sea bien o mal. Para hacer las cosas "peores", se hace acompañar en este trabajo de la única persona más amada/odiada por la prensa que él: Penélope Cruz, Pé o Pé-sada, dependiendo a quién se pregunte.
Pero pésele a quien le pese, Almodóvar es, junto a Buñuel y Berlanga, el director de cine más importante de España, y Los Abrazos Rotos, como lo fué Todo Sobre Mi Madre hace 10 años, se convierte en un punto de inflexión importantísimo en su carrera.
Su filmografía se haya repleta de homenajes y guiños de ojo al cine que lo inpira y que lo motivó a convertirse en realizador, pero en esta ocasión estos tienen un propósito expreso - utilizar al cine y su proceso creativo de principio a fin como caso de estudio, y a la vez como paralelismo del nacimiento, desarrollo y muerte de una relación amorosa.
Penélope Cruz es Lena, una amalgama de las heroínas del cine negro como Gilda o Laura, que sin ser propiamente una mujer fatal, son sus actos, sus decisiones y su poder sobre dos hombres los que desatan el conflicto central de la historia.
Lena es el objeto de deseo de dos hombres: Ernesto Martel, su marido millonario mucho mayor que ella al que desprecia, y Mateo Blanco, el director de la película de la que es protagonista, Chicas y Maletas. Ambos la desean obsesivamente, uno para demostrarse a sí mismo que todavía tiene sangre en las venas, y el otro como su musa inspiradora.
El cine como proceso creativo integral es aquí el punto neurálgico. De forma muy original, Almodóvar estructura el desarrollo de la historia tal cual como se realiza una película: los personajes mismos escriben un guión, lo van viviendo paralelamente mientras lo filman, y finalmente lo editan y lanzan al público. Muchos directores a lo largo de la historia han dicho que una es la película que se rueda y otra la que toma forma y vida propia en la sala de edición, y en ese último proceso es en el que recae el mayor peso emocional de toda la película: ¿qué sucede con una obra inconclusa y cómo afecta ello a su creador? Esa obra inconclusa puede ser igual una película o una relación amorosa, aquí ambas cosas significan lo mismo.
Hace unas semanas atrás hablaba en otra entrada sobre Almodóvar de la enorme importancia de las interrupciones y los momentos inconclusos en Todo Sobre Mi Madre, y como buen autor que es, Almodóvar visita nuevamente este pozo a buscar más agua, porque un abrazo roto es precisamente eso, un momento interrumpido ya sea por un accidente o por una enorme pérdida, pero un abrazo roto también es aquel que separa intempestivamente a un director de cine de su creación.
Durante la realización de Chicas y Maletas -la película dentro de la película- es donde Almodóvar se crece como director por tres razones:
- Primero, como arquitecto visual original, logrando secuencias memorables en las que mezcla todos los estilos que ha utilizado a lo largo de su carrera, creando un universo distintivamente suyo y único: el Madrid de los excesos en forma de la mansión de Ernesto Martel, llena de sombras y espacios vacios que parecen devorar a los que habitan en ella, el Madrid psicodélico lleno de colores y personajes estrambóticos que se observa en Chicas y Maletas, y finalmente los paisajes de Lanzarote, cuya aridez es una representación de la fatalidad que se acerca.
- Segundo, como arquitecto visual que sabe homenajer y referenciar sin copiar, creando momentos que son un verdadero regalo para los cinéfilos más adelantados: desde el ominoso eco de unos zapatos como enTorn Curtain de Hitchcock, una caída por las escaleras a lo Kiss of Death o Leave Her to Heaven que concluye con una resolución que recuerda al final de Notorious, la obsesión por una imagen que parece cobrar vida como en Blow Up de Antonioni, el voyeur con cámara en mano de Peeping Tom, el nombre "artístico" de Lena que es el mismo de Catherine Deneuve enBelle de Jour de Buñuel, y todo para concluir homenajéandose a sí mismo, haciendo de Chicas y Maletas una especie de remake de Mujeres al borde de un ataque de nervios.
- Tercero, como director de actores. Si con Volver sacó a Penélope Cruz del hueco en que se había hundido en Hollywood, ahora la muestra inmensa, más bella y más firme como intérprete que nunca, encarnando en una sóla mujer a todas las chicas Almodóvar: la mujer sufrida y la mujer fatal, la Marylin Monroe, la Audrey Hepburn y hasta la propia Carmen Maura. Imposible dejar de destacar la magistral interpretación de Ángela Molina como la madre de Lena, que en menos de 10 minutos de tiempo en pantalla deja una impresión imborrable, igual la de Lluis Homar, el verdadero corazón de esta historia, y la de José Luis Gómez, quien demuestra nuevamente que es quizás el mejor actor de toda España.
En una escena durante su estancia en Lanzarote, Lena y Mateo ven en la televisión la obra maestra de Roberto Rossellini Viaggio in Italia. Como es su costumbre, Almodóvar no pierde oportunidad para que sus personajes aparezcan en pantalla viendo películas, y aquí ese momento tiene tanta importancia como cuando Carmen Maura ve Johnny Guitar en Mujeres al borde de un ataque de nervios y Bellissima en Volver.
El paralelismo a primera vista no se ve tan claro, la relación de Mateo y Lena no se encuentra tan irremediablemente destruída como la de George Sanders e Ingrid Bergman. Una primera lectura sería que Lena siente un terrible miedo al ver que su destino junto a Mateo podría ser el mismo que el de esa pareja enterrada bajo las cenizas del Vesubio, unida en un último abrazo.
En una segunda visión queda claro que Almodóvar igual que Rosellini utiliza la imágen de las ruinas de Pompeya para indicar una destrucción horrorosa, pero la destrucción ya no es de una relación amorosa, sino de la película sin terminar que dejaron detrás. Una película que es la representación física, la evidencia tangible de su amor, de la que sólo quedarán las ruinas esperando pacientemente que alguien trate de reconstruirlas.
Más tarde, en otra escena clave, quizás la más importante de toda la película, Mateo [ahora ciego] le dice a Diego que desea escuchar la voz de Jeanne Moreau. La película que elige es Ascensor al Cadalso, el magistral debut de Louis Malle. En aquella película dos amantes también son separados por una interrupción, pero queda una fotografía como prueba de una unión más fuerte que la misma muerte. Lo que queda plasmado en imágenes es eterno, sobreviene cualquier cosa, hasta la muerte.
Almodóvar concluye dejando claro que el cine puede ser un encargo, un oficio, una pasión, pero tanto para él como para Mateo Blanco el cine es un medio de sanación, de exorcismo. Terminar Chicas y Maletas es la única manera de sanar una herida abierta y sangrante. Las películas deben terminarse.
Esta pequeñísima pero encantadora ciudad es el caos organizado más impresionante que he tenido la oportunidad de observar y vivir de cerca en toda mi vida.
Ya he visto Los Abrazos Rotos por segunda ocasión [la reseña va en unos minutos], Looking for Eric de Ken Loach, y ahora voy a a entrar a la atracción más esperada y comentada de todo el Festival.
El photocall con Tarantino, Brad Pitt y el resto del elenco acaba de concluir, y el pandemonio dentro y en los alrededores del Palais es difícil de poner en palabras. No quiero imaginar lo que será la gala de esta noche cuando Brangelina camine por la alfrombra roja. Aquí la gente no habla de otra cosa.
Más detalles y mis impresiones de Inglorious Basterds más tarde.
Lars Von Trier en el centro junto a sus dos víctimas, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe.
Cannes es el único lugar del mundo donde se puede presentar en competencia una película sobre una pareja traumada luego del suicidio de su hijo tras haberlos visto teniendo sexo. Una película en la que hay desde eyaculaciones de sangre hasta organos genitales femeninos mutilados en close-up.
Y Lars von Trier es el único director que pudo haberla pensado y hecho. Un provocateur que luego de años sin dar nada de que hablar sabía que la única forma de volver a la palestra pública era con un proyecto como Antichrist, una película que hizo durante un período de dos años de depresión profunda que hará a sus esfuerzos anteriores Dancer in the Dark y Breaking the Waves parecer películas de Disney.
Esquivando preguntas que le desagradaban en las ruedas de prensa, autoproclamándose el “Mejor Director del Mundo” y dejando claro que esta película la hizo para agradarse sí mismo y no para un público al que considera sólo un invitado, Von Trier logró lo que buscaba:
“But my God, what a screening! What a reaction! Critics howling, hooting, shrieking.
There's no way Antichrist isn't a major career embarassment for costars Willem Dafoe and Charlotte Gainsbourg, and a possible career stopper for Von Trier.
It's an out-and-outdisaster -- one of the most absurdly on-the-nose, heavy-handed and unintentionally comedic calamities I've ever seen in my life. On top of which it's dedicated to the late Russian director Andrei Tarkovsky, whose rotted and decomposed body is now quite possibly clawing its way out of the grave to stalk the earth, find an axe and slay Von Trier in his bed.” –Jeff Wells, Hollywood Elsewhere.
“Whether this is a bad, good or great film is entirely beside the point. It is an audacious spit in the eye of society. It says we harbor an undreamed-of capacity for evil. It transforms a psychological treatment into torture undreamed of in the dungeons of history. Torturers might have been capable of such actions, but they would have lacked the imagination. Von Trier is not so much making a film about violence as making a film to inflict violence upon us, perhaps as a salutary experience. It’s been reported that he suffered from depression during and after the film. You can tell. This is the most despairing film I’ve ever have seen.
What can be said is that von Trier, after what many found the agonizing boredom of his previous Cannes films “Dogville” and “Manderlay,” has made a film that is not boring. Unendurable, perhaps, but not boring. For relief I am looking forward to the overnight reviews of those who think they can explain exactly what it means. In this case, perhaps, a film should not mean, but be.” —Roger Ebert.
“As if deliberately courting critical abuse, the Danish bad boy densely packs this theological-psychological horror opus with grotesque, self-consciously provocative images that might have impressed even Hieronymus Bosch, as the director pursues personal demons of sexual, religious and esoteric bodily harm, as well as feelings about women that must be a comfort to those closest to him. Traveling deep into NC-17 territory, this may prove a great date movie for pain-is-pleasure couples. Otherwise, most of the director's usual fans will find this outing risible, off-putting or both -- derisive hoots were much in evidence during and after the Cannes press screening -- while the artiness quotient is far too high for mainstream-gore groupies” – Variety.
“Una tomadura de pelo notable, una provocación barata.
Una estupidez que tendrá cierto éxito entre su parroquia, pero que para cualquier espectador normal es para darle una hostia”. – Carlos Boyero, El País.
De la otra película en competencia, Looking for Eric de Ken Loach, mejor ni hablar ya.
La de ayer domingo fue a todas luces la jornada más dividida en lo que va de semana. Las dos películas de la Sección Oficial presentadas generaron reacciones encontradísimas, ambas autoría de dos de los representantes más importantes del “Nuevo Cine Asiático.”
El director Johnnie To a la extrema derecha junto a su elenco en el Palais.
La primera de ellas fue Vengeance, del chino Johnnie To, otro director cuyas películas de acción ultraviolentas se han convertido en objeto de culto por los frikis.
Esta historia sobre un ex-matón -que ahora se hace pasar por chef- y su sangrienta visita a Hong Kong para vengar a su hija asesinada parece ser otra de ellas;
“ "Vengeance," a smoothly executed revenge thriller that finds one of Hong Kong's genre masters in assured action-movie form. Apart from the novelty of casting a Gallic rock 'n' roll icon as an aging ex-hitman exacting payback with the help of some Macau mobsters, this tightly tuned, heavily armed vehicle is vintage To, though it may strike both partisans and detractors as more of the stylish same. Western elements and abundant bloodshed make this To's most marketable item since 2006's "Exiled," with appeal for Asian buffs and French hipsters alike.” – Variety.
“A brilliantly directed genre study from the Hong Kong master Johnnie To in which the French legend Johnny Hallyday pays a blood-soaked visit to Macao. There he hires three Chinese gunmen (led by Anthony Wong), whom Mr. To consistently arranges in triangular formations that give his widescreen compositions incredible dynamism. With his ruined face and pale snake eyes Mr. Hallyday holds the screen while Mr. To shakes it up.” – Manohla Dargis, The New York Times.
“Jonny Hallyday protagoniza Venganza, dirigida por el chino Johnnie To, señor al que los festivales le profesan incomprensible culto. Este profesional en intendible cine negro, en delirios, efectismo chirriante y violencia sistemática mantiene sus incendiarias y cansinas características en la venganza de un antiguo asesino a cuya hija acaban de cargarse. O sea: más de lo mismo.” – Carlos Boyero, El País.
Brillante Mendoza, tercero de derecha a izquierda, junto al elenco de Kinatay.
La segunda película exhibida fue Kinatay, del filipino Brillante Mendoza, quien repite por segundo año consecutivo en la Sección Oficial luego de haber presentado Serbis el año pasado también en competencia.
Brillante Mendoza es uno de esos directores tan esotéricos como inaccesibles que ponen a prueba la capacidad de aguante hasta del cinéfilo más paciente y de mentalidad más abierta. A juzgar por la reacción hacia Serbis y la presente, Mendoza no pasará de ser un realizador que trabaja para presentar películas en festivales que jamás serán vistas fuera de ese circuito.
Si Serbis fue llamada el año pasado una demostración interminable de mal gusto en nombre del arte, la prensa no se ha ahorrado palabras para hablar de Kinatay:
“Here is a film that forces me to apologize to Vincent Gallo for calling "The Brown Bunny" the worst film in the history of the Cannes Film Festival.
There will be critics who fancy themselves theoreticians, who will defend this unbearable experience, and lecture those plebians like me who missed the whole Idea. I will remain serene while my ignorance is excoriated. I am a human being with relatively reasonable tastes. And in that role, not in the role of film critic, I declare that there may not be ten people in the world who will buy a ticket to this movie and feel the money was well spent.” — Roger Ebert.
“La filipina Kinatay, dirigida por el temible Brillante Mendoza, dedica dos horas insufribles a describir con imágenes oscuras la estupefacción de un chaval que aspira a entrar en la policía al constatar la relación umbilical entre ésta y un grupo de mafiosos de la prostitución, que torturan y descuartizan a una puta que ha intentado estafarles. Todo navega entre lo confuso y lo tedioso.” – Carlos Boyero, El País.
Ante el poco entusiasmo hacia las películas de la Sección Oficial, el centro de atención ayer fue sin lugar a dudas Agora, la nueva película de Alejandro Amenábar presentada fuera de competencia.
Un director que también se niega a encasillarse en géneros específicos, Amenábar pasó de una gótica historia de fantasmas en The Others al drama de un hombre que sólo desea morir en Mar Adentro. Ahora el giro es aún mayor, explorando algo completamente nuevo para él: el género Peplum de relatos épicos bíblico-religiosos.
Amenábar junto a la bellísima Rachel Weisz en el photocall.
Agora llega acompañada de muchas expectativas: ser la película más reciente de un director al que llamaban “niño prodigio” desde que sorprendió al mundo al hacer Tesis con sólo 24 años y un presupuesto de 50 millones de euros, el mayor en toda la historia para una película española.
Ante las inevitables comparaciones con otras películas que han intentado revivir el género de “espada y sandalias” como Gladiator y Kingdom of Heaven, tanto Amenábar como su protagonista, la bellísima Rachel Weisz, se apresuran a destacar que amén de la espectacularidad visual y la atención al detalle para recrear la época y las escenas de batalla, Agora pretende traer al tapete una discusión más seria y sopesada sobre su tema central – la lucha con y sin espadas entre la religión y la ciencia, y los actos de horror que se cometen en nombre del fanatismo religioso.
Las reacciones hacia la película fueron de respeto más que de admiración:
“Although no self-respecting epic can come in at less than two hours, Alejandro Amenabar will nevertheless need good word-of-mouth to attract wider audiences willing to sit through 144 minutes and a heavy-handed beginning in his latest film, "Agora." Hopefully, he will get it.
Amenabar gets most of the epic staples out of the way relatively early: flatly acted scenes of textbook exposition, overly earnest extras, main characters who wander unscathed through hordes of butchery and, of course, frequently swelling music. The story then becomes a timely parable on religious intolerance, inexorable fundamentalist violence and the powerlessness of reason and personal freedom in the face of both. ” – The Hollywood Reporter.
“Alejandro Amenabar's Agora is a visually ravishing, intelligently scripted historical parable about the evils of religious extremism. And I don't mean the kind that existed in 4th century Alexandria, which is when and where this $65 million dollar epic is set. I mean the evils of the present-day Taliban and the Neocon-aligned Christian right, and the way Agora metaphorically exposes these movements for what they are.” – Jeffrey Welles, Hollywood Elsewhere.
“Amenábar revive el universo perdido de Alejandría con poderoso sentido visual, diálogos excelentes, personajes diseñados con complejidad, tensiones latentes. Filma batallas y escenas de masas dando sensación de realidad, sin recurrir a los efectos de los ordenadores. Su implicación con la figura de la protagonista es estética y ética.
El tema y el primoroso lenguaje con el que se expresa me ponen incondicionalmente a favor de esta película, la veo y la escucho con respeto, estoy deseando que me atrape la emoción, pero ésta no llega. No consigo meterme dentro de una historia con tantas cosas admirables, condición indispensable que le exijo al gran cine.” – Carlos Boyero, El País.
“An enormously ambitious attempt to recreate the conflicts of 4th century Alexandria, many of which are still raging today, Agora ultimately fails to hang together narratively and does not engage on the same grand emotional level as the sword and sandal epics of old – Quo Vadis? Ben-Hur et al – which it is clearly trying to reinvent.” – Screendaily.
Agora se estrena en Europa y Estados Unidos en Octubre.
A partir de mañana, estos posts se harán DESDE Cannes. Todavía no lo creo.
Flower Power. Ang Lee junto a su protagonista Emile Hirsch.
La mayor sorpresa de ayer fue definitivamente la tibia reacción hacia la nueva película de Ang Lee, Taking Woodstock.
Ang Lee es el Howard Hawks del nuevo siglo. Un director, probablemente el único de la actualidad, que puede incursionar en cualquier género con una facilidad y una pericia que sorprende. Igual hace una película como Sense and Sensibility, haciéndonos creer que un taiwanés que nunca había puesto un pie en Inglaterra se conoce a Jane Austen y su cultura como nadie, o adentrarse al corazón conservador de los Estados Unidos y hacer una historia de amor entre dos vaqueros, y de ahí saltar a la China de la ocupación y lograr una exquisita historia de amor sadomasoquista. Vaya.
El concenso es que Taking Woodstock se siente como una mera distracción sin mayor importancia luego de dos películas de la envergadura de Brokeback Mountain y Lust, Caution.
Ang Lee junto al elenco de Taking Woodstock en el photocall.
“Considering the iconic event at its center, the most surprising aspect of “Taking Woodstock” lies with the decision to make it into a rather flat comedy. Even with the ever-versatile Ang Lee behind the camera, this messy historical fiction plays like a two hour “Saturday Night Live” sketch, and not a very good one, either.” – Indiewire.
“Taking Woodstock offers some obvious laughs and tugs at the heart strings as Elliot embraces his homosexuality and his parents learn to let go. Newcomer Demetri Martin has the air of a young Dustin Hoffman, Elliot Gould, Richard Benjamin or several performers who were breaking through to leading cinema roles at the time of Woodstock. His gentle, guileless manner makes him perfect casting for Elliot without settling the matter of whether he is charismatic enough to have a sustained cinema career. Liev Schreiber brings dashes of sass and style to cross-dressing Vilma but Imelda Staunton’s dowdy, embittered Sonia is overcooked and all too reminiscent of Shelley Winters in full flow.
Enjoyable in places and merely humdrum in others, Taking Woodstock ultimately feels like a minor Ang Lee digression in between more memorable works.” – Screendaily.
Y Carlos Boyero, actuando como la versión española del contrarian Armond White dice:
“Ang Lee no hace valoraciones moralistas. Se limita a constatar el vitalismo, la ensoñación, la alegría, la desinhibición, el perpetuo cuelgue, el radical enfrentamiento con lo establecido de una gente que pretendía pensar, sentir, y actuar de una forma distinta.
Es una película descriptiva y narrativa, irónica y tierna, humorística y lúcida, un homenaje memorable a aquel pasote generalizado que montaron los hijos de las flores.” – Carlos Boyero, El País.
De izquierda a derecha: el protagonista Tahar Rahim, el director Jacques Audiard y el actor Niels Arestrup
Y tomó tres días para que apareciera la primera verdadera contendiente a llevarse la Palma.
Hablamos de Un Prophète, escrita y dirigida por Jacques Audiard, director de la joya que nunca me canso de recomendar llamada The Beat that My Heart Skipped, su película anterior a la presente.
“Condenado a seis años de prisión, Malik el Djebena no sabe leer ni escribir. Con sólo 19 años, es más joven y frágil que los demás reclusos. Acorralado por el líder de la pandilla Corsa que controla la prisión, Malik debe cumplir una serie de misiones que le harán más fuerte y le ganarán la confianza de todos.”
Al parecer ya podemos colocar a Un Prophète junto a otros clásicos que se desarrollan dentro de prisiones como Papillon y Midnight Express:
“Superb prison film that brings new ideas and techniques to the genre.
French master Jacques Audiard has challenged the thus-far mostly middling Cannes competition with a powerful prison drama that's an old-fashioned Bildungsroman in in-your-face, intensely realistic disguise. The militantly unprolific director of such exquisite small films as "Read My Lips" and "The Beat That My Heart Skipped," which have appeared at roughly five-year intervals, has now moved to an infinitely broader canvas with outstanding results.” – The Hollywood Reporter.
“When it comes to hard-bitten crime cinema, Jacques Audiard has few equals in Europe, and his violent, gripping prison drama A Prophet shows him extending his range with unimpeachable command. The story of a gauche young inmate who rises through the criminal ranks to become a formidable player, A Prophet works both as hard-edged, painstaking detailed social realism and as a compelling genre entertainment.” -- Screendaily.
“Genre specialist Jacques Audiard continues his fascination with the secret inner lives of Gaul's criminal underworld in "A Prophet," a tough, absorbingly intricate account of a young French-Arab thug's improbable education behind bars. Applying his jangly aesthetic to a broader canvas than usual, Audiard navigates his protagonist through a grotty, at times overcrowded labyrinth of racially divided gang factions and roughly sketched-in crooks and cons. Though less pleasurably offbeat than the helmer's well-received "Read My Lips" and "The Beat That My Heart Skipped," this is solid, sinewy pulp fiction with strong arthouse prospects abroad and on local release Aug. 26.” – Variety.
“La película francesa Un Profeta, dirigida por Jacques Audiard, se desarrolla en una cárcel y dura dos horas y media. Lo mejor que se puede decir de ella es que pasa corriendo, que te tiene en estado de hipnosis al retratar el salvaje aprendizaje de supervivencia de un chaval árabe que tiene que ponerse al servicio de la racista mafia corsa, que tendrá que montárselo entre el rechazo que sufre de la gente de su raza y la perpetua humillación que le infligen los corsos, que aprenderá no sólo a leer y escribir sino también a cómo cortar la yugular de un compañero con una hoja de afeitar que esconde en su boca. La violencia de esta película no lleva tramposos adornos sino que hace daño al espectador. También su naturalismo. Te contagia la tensión que se vive en la peor de las selvas, demuestra que allí sólo existen las relaciones de poder, te fascina y te da miedo.” – Carlos Boyero, El País.
“Film is history. With every foot of film lost, we lose a link to our culture, to the world around us, to each other, and to ourselves” – Martin Scorsese.
Como es ya costumbre desde hace unos años, Martin Scorsese arrivó a Cannes en nombre de su fundación World Cinema Foundation, encargada de mantener la cultura fílmica viva trayendo atención a obras cinematográficas olvidadas. La fundación trabaja principalmente restaurando y preservando películas cuyos elementos originales se encuentran casi destruídos, y apoyando en la búsqueda por todo el mundo de películas que se consideraban perdidas para siempre, como sucedió recientemente con la copia de más metraje de Metropolis hayada en Argentina, o la más famosa de todas, el hallazgo de la copia casi íntegra de La Pasión de Juana de Arco en un asilo en Noruega.
Entre los rescates realizados por The Film Foundation se encuentran películas tan importantes como It Happened One Night de Frank Capra, The River de Jean Renoir y Night of the Hunter de Charles Laughton.
El tesoro restaurado que Scorsese presenta este año es la obra seminal de su mentor Michael Powell The Red Shoes, película que con su legendaria fotografía en Technicolor del recientemente fallecido Jack Cardiff, directores como Steven Spielberg y Brian DePalma citan como una de las más influenciales en sus carreras.
Scorsese llegó acompañado de su eterna colaboradora, la editora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell y quien les introdujo a ambos.
Ahora sólo queda esperar que The Criterion Collection relance esta versión restaurada en DVD y Blu-ray.
De la Sección Oficial se presentaron dos películas de dos pasados ganadores.
A la extrema derecha la directora Jane Campion junto a su elenco.
La primera fue Bright Star de Jane Campion, quien ganó la Palma de Oro en 1993 por The Piano.
Bright Star supone el esperado comeback de una directora que desde The Piano no ha logrado dar con otro proyecto de igual trascendencia hasta ahora:
“The Jane Campion embraced by 1990s arthouse audiences but who's been missing of late makes an impressive return with "Bright Star." Breaking through any period-piece mustiness with piercing insight into the emotions and behavior of her characters, the writer-director examines the final years in the short life of 19th-century romantic poet John Keats through the eyes of his beloved, Fanny Brawne, played by Abbie Cornish in an outstanding performance. Beautifully made film possesses solid appeal for specialized auds in most markets, including the U.S., where it will be released by Bob Berney's and Bill Pohlad's as-yet unnamed new distribution company, although its poetic orientation and dramatic restraint will likely stand in the way of wider acceptance.” – Variety.
“Sixteen years after The Piano, Jane Campion has found renewed artistic inspiration in a tragic romance to match the haunting intensity of that Palme D’Or winning feature.
Beautifully crafted in every department from the composure of the camerawork to the precision of the costume and production design, Bright Star is a film to savour. Campion ensures that its pictorial appeal is matched by an emotional engagement thanks to a universally fine cast.” –Screendaily.
Chan Wook Park a la extrema derecha junto a su elenco durante el photocall en el Palais.
La otra película de la Sección Oficial fue Thirst, del realizador surcoreano Chan Wook Park, el “Tarantino de Asia”, quien ganó el Premio del Jurado en el 2004 por su película de culto Oldboy.
Siguiendo con su línea de cine de género, Thirst parte de la historia de un sacerdote católico que viaja como voluntario a Africa en una misión para curar una misteriosa enfermedad letal. Luego de contraerla y recibir una transfusión de sangre, el sacerdote termina compirtiéndose en –oh sorpresa– un vampiro.
Ni los americanos ni los europeos quedaron muy sorprendidos con el resultado:
“Park Chan-Wook acumula delirios con pretensiones no sé si de asustar o de hacer reír. En mi caso no consigue ni lo uno ni lo otro, sólo un deseo notable de que finalice esta tediosa sucesión de majaderías. Es de esas películas en las que a la media hora ya has cambiado de postura en la butaca un montón de veces con la inequívoca sensación de estar perdiendo lamentablemente tu tiempo. Cuando finaliza el abusivo metraje estás convencido de que llevas media vida en la sala.” – Carlos Boyero, El País.
“Emile Zola meets New Age vampirism in South Korean helmer Park Chan-wook's "Thirst," an overlong stygian comedy that badly needs a transfusion of genuine inspiration. Early grossout scenes lose their shock value with repetition, as the script amps up the semi-cartoonish violence in the third act. Tae-ju begins to relish the blood-sucking in a way that troubles even Sang-hyeon. But the movie never comes close to tapping the raw, gnawing need of vampirism that fueled pics such as Abel Ferrara's The Addiction or Tony Scott's The Hunger.” – Variety.
Y uno de los mayores éxitos de estos tres primeros días ha sido la presentación en la sección de Un Certain Regard de la película Precious, la cual llega con el precedente de haber sido el mayor éxito en el pasado Festival de Sundance.
Precious, basada en el best seller del mismo nombre, narra la historia de una jóven obesa, analfabeta y embarazada de su segundo hijo, que lucha por encajar tanto en el mundo exterior del Harlem de los 80, como dentro de su propio hogar, donde ha sido abusada toda su vida por su propia madre, interpretada nada más y nada menos que por la comediante Mo´Nique quien –créalo o no– es desde ya una de las candidatas más fuertes para el Oscar del año próximo.
Acompañando a su director Lee Daniels estuvieron Mariah Carey y Lenny Kravitz, ambos con roles secundarios importantes en la cinta.
El director Lee Daniels junto al elenco. Sólo faltó Mo´Nique.
“Easily the most talked about US filmat Sundance this year, Push: Based On The Novel By Sapphire is both a horribly upsetting and movingly inspirational film about the plight of an obese African American teen in Harlem whose 16 years of life have encompassed more suffering than most people could comprehend. Adapting the best-selling novel by Sapphire to the screen, second-time director Lee Daniels creates a must-see portrait of life’s underprivileged which is utterly compelling.” – Screendaily.
“Es tan sórdida como asfixiante, tan veraz como impactante. Cuenta el doloroso calvario de una adolescente negra y monstruosamente adiposa, violada desde pequeña por su sidoso padre con la complicidad de una madre sádica, intentando desesperadamente encontrar alguna razón para seguir viviendo. Todo lo que ves y lo que escuchas es tremebundo, pero nunca gratuito. La odisea de este machacado patito feo para que alguien llegue a respetarla y a quererla, su titánica lucha para poder comunicarse con los demás aprendiendo a leer y a escribir, sus sueños para disfrazar el sufrimiento, la rebelión de la eterna marginada contra sus ancestrales torturadores, posee una capacidad de emoción que te coloca el nudo en la garganta.” – Carlos Boyero, El País.
Ayer se presentaron dos películas de la Sección Oficial.
La primera fue Fish Tank, el quinto trabajo y segundo largometraje de la directora inglesa Andrea Arnold, que cuenta la historia del revés que sufre la vida de una adolescente cuando su madre trae a su novio a vivir a casa.
Arnold no es extraña a la Croisette, siendo esta es su segunda visita a Cannes luego de haber ganado el Premio del Jurado en el 2006 por su aclamadísima Red Road.
Harry Treadaway, Kierston Wareing, Michael Fassbender y la directora Andrea Arnold durante el photocall en el Palais.
Es muy temprano para hacer predicciones, pero desde ya se menciona a Michael Fassbender, protagonista de la magnífica Hunger -una de nuestras mejores del año pasado- como uno de los favoritos para llevarse el premio al Mejor Actor.
“La directora inglesa Andrea Arnold también habla en Fish tank de la lacerante incomunicación entre una madre y su hija adolescente, pero en este caso no te suena a impostura con pretensiones metafísicas, son gente de los suburbios y experta en supervivencia. Esa cría en permanente guerra con el mundo, colgada del amante de su madre, enfrentándose en plan punki al lógico torrente de incertidumbres, miedos, rencores y sensación de fracaso cotidiano que acompañan a la casi siempre problemática adolescencia respira credibilidad y vida. Andrea Arnold vuelve a demostrar aquí, como hiciera en su sugestiva ópera prima, Red road, que sabe describir a gente a la deriva, a seres frágiles y en permanente desconcierto que se defienden a bocados.” – Carlos Boyero, El País.
“Fish Tank also underlines Arnold’s ability to secure the best from her actors. After last year’s Cannes triumph of Hunger, Michael Fassbender has become a prolific and versatile presence in British film and television (EdenLake, The Devil’s Whore etc). His charisma is essential to the appeal of Connor and makes him an imminently likeable and plausible figure even as his actions should attract our censure. Following in the wake of Kate Dickie’s extraordinary performance in Red Road, newcomer Katie Jarvis is every bit as impressive as Mia, finding the vulnerability of the teenager without recourse to sentimentality or surrendering any of her anger or sarcasm. It is a performance that should win her a lot of attention and add profile to a film that will have to fight for its audience.” – Screendaily.
El director Lou Ye junto al elenco de Spring Fever en la alfombra roja del Palais.
La segunda exhibición de la Sección Oficial fue la china Spring Fever, la tercera película del director Lou Ye en participar en el Festival, y representa el tipo de cine que los críticos de Cannes utilizan como carne de cañon para atacar la selección todos los años – cine “vanguardista” y sin público que no tendrá vida fuera del mundo de los festivales:
“La película china Spring fever, dirigida por Lou Ye, destaca porque es la primera vez en el cine de esa nacionalidad en el que una relación homosexual está plasmada con imágenes que no desdeñaría el porno. Hay sexo casi explícito en todos los lugares y retratando variados tipos de posturas coitales entre un chico muy moderno y un señor casado con una mujer que quiere asesinarlo al enterarse de que le pone los cuernos con un tío. Lo malo es que esta interminable sucesión de polvos también está acompañada de pretensiones líricas y sociológicas que rozan lo grotesco. Es muy higiénico que en un cine tan timorato o amordazado para mostrar el erotismo un director audaz se salte las reglas. El problema es que su película es tan tediosa como inane. La provocación también necesita sustentarse en algo mínimamente sólido.” – Carlos Boyero, El País.
“The screenplay is so convoluted and contains so many loose ends that the intense style (fragmented editing, jerky, handheld camera) only highlights the movie’s occasional lapses into incoherence. Add to that relatively explicit sex scenes between males, and the result is small chance of finding an audience in most markets, including Lou Ye’s native China (where he is technically banned from filmmaking on account of the overt politics of Summer Palace). Gay festivals and possibly a few sophisticated urban markets should express interest.” – Screendaily.
Nada mejor que terminar con el optimismo de Carlos Boyero, crítico de cabecera de El País, hablando con el entusiasmo que le caracteriza:
Boyero, ¡espero conocerlo y conversar con usted allá!
El acontecimiento del día fue el estreno fuera de competencia de Up, primera película animada en abrir el Festival en toda su historia.
El equipo creativo de Pixar durante el photocall en el Palais des Festivals: Edwin Catmull, Bob Peterson, Jonas Rivera, Pete Docter y John Lasseter.
A pesar del enorme honor que representa ser elegida para tales fines, las películas que por general dan apertura al Festival de Cannes no tienen el mejor de los recibimientos, pero en este caso, tanto los críticos norteamericanos como los europeos se han deshecho en elogios para la nueva película de Pixar, el concenso siendo que una vez más logran superarse a sí mismos:
“Winsome, touching and arguably the funniest Pixar effort ever, the gorgeously rendered, high-flying adventure is a tidy 90-minute distillation of all the signature touches that came before it.” – The Hollywood Reporter.
“Extending the patented Pixar mix of humor and heart, Up is the studio’s most deeply emotional and affecting work.” –Time Magazine.
“Pete Docter’s Up is a marvel of a movie which will enchant cinemagoers around the world and remain a family favourite for decades to come. A highpoint of ingenuity and storytelling in the Pixar canon and indeed the animated form, this is a fitting opening to this year’s Cannes Film Festival; indeed it will be hard for any other film there to match the storytelling genius and gorgeous 3D imagery which Docter and his team have achieved.” – Screendaily.
Anoche también se presentó como parte del Quinzaine des Réalisateurs Tetro, la nueva película de Francis Ford Coppola, y las reacciones van de poco entusiastas a negativas, similar a su proyecto anterior Youth Without Youth, el cual todavía no nos podemos obligar a ver:
“A melodramatic family drama set in a Buenos Aires where even innocent passers-by seem consumed by jealousy and passion, Tetro offers glimpses of a golden-age Francis Ford Coppola in his first original script since The Conversation (1974). Although it feels at times like a vanity project, some strong performances – most notably by Spanish actress Maribel Verdu (Y tu mama tambien), but also Vincent Gallo in the title role and newcomer Alden Ehrenreich – save all but Tetro’s most cringeworthy lines.” – Screendaily.
“Although markedly better than his previous small-scaled, self-financed film, "Youth Without Youth," Francis Ford Coppola's "Tetro" is still a work of modest ambition and appeal. Gloriously shot in mostly black-and-white widescreen in Buenos Aires, Coppola's first original screenplay since 1974's "The Conversation" hinges on the tension between two long-separated brothers dominated by an artistic genius father. The angst-ridden treatment of Oedipal issues makes the picture play out like a passably talented imitation of O'Neill, Williams, Miller and Inge, and thus it feels like the pale product of an over-tilled field. Coppola will release the film himself Stateside, doubtless to marginal returns, and in the long run, "Tetro" likely will be most remembered for introducing a highly promising young actor, Alden Ehrenreich.” – Variety.
El jurado presidido por la exquisita Isabelle Hupert, quienes a partir de esta noche comenzarán a ver las películas de la sección oficial que compiten por la Palma de Oro:
El jurado de izquierda a derecha: el director norteamericano James Gray, la actríz norteamericana Robin Penn Wright, la actríz y directora italiana Asia Argento, la presidenta Isabelle Huppert, la actríz hindú Sharmila Tagore, el director coreano Lee Chang-Dong, el director turco Nuri Bilge Ceylan, el guionista inglés Hanif Kureishi y la actríz taiwanesa Shu Qi.
Antes de comenzar a hablar del cine del 2009, de Cannes que inicia el día de hoy y de muchos temas más que tenemos en el tintero, hay primero que terminar lo que queda pendiente.
¿Que a quién le hace falta el recuento de un año en mayo del año siguiente? No lo sé, pero esto tenía que dejarlo por escrito al menos para mí mismo.
Sin más preámbulos, aquí están las películas que dejaron alguna impresión importante.
Es difícil hacer rankings, pero por primera vez en mucho tiempo, la que debe ser #1 queda clarísimo en mi mente:
1.
El debut como director de Charlie Kaufman, guionista de películas como Being John Malkovich, Eternal Sunshine of the Spotless Mind y Adaptation.
Synecdoche, New York es indudablemente un producto de su director-guionista: una extensión aún más densa y trabajada de los temas que nos presentó en Adaptation – el frustrante ejercicio de lidiar con el miedo, el dolor y la complejidad emocional en un mundo que no parece tener mucho sentido.
Pero también sobre el deseo de convertirse en alguien más, olvidar recuerdos dolorosos, la percepción de la realidad y la ficción y el miedo paralizante a morir.
Kaufamn parece obsesionado con la idea del Ouroboros, la mítica figura de la serpiente que debora su propia cola, representando un repetitivo círculo vicioso del que es imposible escapar.
Ya lo había mencionado por su nombre en Adaptation, y el concepto está más que ilustrado en Eternal Sunshine of the Spotless Mind, una película basada en la idea de que nuestra existencia está formada por hechos que se repiten una y otra vez, aunque intentemos borrarlos.
Caden Cotard intenta recrear en una obra de teatro su vida y su visión de Nueva York, hasta llegar al punto [como en Adaptation] en la que realidad y ficción son una misma, indistinguibles una de la otra, todo tratando de contestar una misma pregunta, ¿cómo se puede retratar toda una vida en sólo dos horas?
Lo único más inquietante que nuestra propia mortalidad es el esfuerzo diario de dejar algún tipo de marca en un mundo lleno de gente más talentosa, más inteligente, más bonita y más deseable que tú.
2.
Como Ordet de Dreyer [película de la que se nutre temática y visualmente], Luz Silenciosa nos presenta la fe en su estado más puro: un concepto imposible de definir, para el cual no existen ni teorías ni valoraciones intelectuales que lo expliquen. Al igual que Dreyer, Reygadas parece creer que la fe es un misterio que trasciende la razón y la comprensión humana, al que para aceptarlo primero se debe renunciar a la tarea de querer intelectualizarlo o definirlo según códigos y normas pre-establecidas.
Si es cierto –como dice uno de los personajes en el momento más importante de la película– que la paz es más fuerte que el amor, ¿se puede con un beso –el acto de amor más puro y sincero que existe– intercambiar amor por paz, y así devolver el “orden natural” que dos individuos han violado?
3.
Como la mayoría de las bodas, esta magnífica película tiene momentos para reír, llorar y conmoverse hasta lo más profundo.
Anclada en tres extraordinarias actuaciones de Anne Hathaway, Rosemary DeWitt y Debra Winger, Jonathan Demme logra conjugar la coralidad del cine de Robert Altman, el intimismo que raya en voyeurismo del de Cassavetes, y la musicalidad del suyo para lograr una cinta absolutamente esencial.
4.
Un triunfo técnico y artístico, trascendental, urgente, Pixar sienta escuela nuevamente sobre cómo se debe contar una historia. WALL•E será recordada como uno de los pináculos de la animación moderna.
5.
“Lo constante en todas mis películas es que los personajes viven una gran soledad y son muy concientes de la soledad y de la distancia que hay entre ellos y el mundo en que viven.”
Esas más o menos fueron las palabras que pronunció Laurent Cantet minutos después que tuviera la oportunidad de hablar con él y estrechar su mano durante su visita a Santo Domingo, donde presentó en la Muestra de ese año su película Vers le Sud, la cual rodó en gran parte en Las Terrenas.
Esa máxima bien puede aplicar para los personajes de Entre Les Murs, película ganadora el año pasado de la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Protagonizada por François Bégaudeau, quien también escribió el guión basándose en su propia novela autobiográfica, Cantet y Bégaudeau y logran retratar con una precisión clínica el complicado proceso que implica enseñar y aprender en el mundo de hoy.
Para ellos, en el salón de clases es donde se libran las mayores batallas de hoy día.
6.
En su famosísimo [¿o infame?] ensayo Raising Kane, Pauline Kael tuvo el atrevimiento de llamar a Citizen Kane, ampliamente considerada la mejor película de la historia del cine, una “shallow masterpiece”, argumentando que debajo del revolucionario tecnicismo no había nada, que era una película temática e ideológicamente vacía.
Roger Ebert, quizás el único crítico más famoso que la Kael, contrarrestra en su comentario del DVD de Dark City [recomendadísimo ] las palabras de Kael argumentando que la grandeza de una película no está dada por contener temas profundos, que en algunos casos la pericia técnica iguala al contenido. El cine es, después de todo, un medio eminentemente visual.
The Curious Case of Benjamin Button y su director David Fincher han tenido que sortear esa clase de críticas. Button es una película diseñada, montada y manipulada milimétricamente, el trabajo de un genio visual preocupado a veces más por la forma que por el fondo.
Benjamin Button no es una película profunda ni pretende serlo, es más un trabajo reflectivo. La película no ofrece respuestas concretas, es más, quizás ni presente preguntas en primer lugar, pero lo que sí busca es hacernos reflexionar. La idea que una película no sea más que una serie de viñetas es generalmente utilizada con una connotación negativa, aquí mismo lo hemos hecho muchas veces, pero en esta cinta en particular el recurso funciona porque es utilizado para crear una experiencia que fluye con la belleza, la melancolía y el virtuosismo de una pieza musical de Erik Satie.
Ché es lo puro y elemental hecho majestuoso por un director sin miedo y un actor que lo da todo.
Se podrá argumentar hasta el hastío sobre su poca o mucha fidelidad con los hechos reales, pero esta historia dividida en dos partes, El Argentino y Guerrilla, sólo pudo haber sido contada de esta manera – sin artificios, sin aspavientos visuales y sin momentos ficticios para crear drama.
Soderbergh demuestra su compromiso consigo mismo como artista y con la historia que se propone contar logrando un épico de 4 horas fiel sólo a sí mismo y a su sujeto de estudio. Esta es una de esas películas que será objeto de revisión y amplia discusión en 20 años. Anótenlo.
8.
El tan mentado minimalismo que se observa en el 98% del cine independiente que se realiza dentro de Estados Unidos es un eufemismo para películas visualmente pobres, mal iluminadas y con montones de tomas fuera de foco o mal procesadas. Todo en nombre del look “indie” que asocia pobreza visual con falta de recursos.
En esta cinta ese minimalismo adquiere otra dimensión. La puesta en escena es un reflejo de su protagonista. Una mujer silente y observadora como la cámara de Kelly Reichardt.
Wendy es un espejo en el que hasta resulta molesto mirarse, en ella muchos podríamos ver reflejado el que podría ser el resultado de muchas decisiones mal tomadas y caminos equivocados. ¿Con cuántas Wendys nos habremos topado el día de hoy en la calle?
9.
The Dark Knight es una especie de maravilla casi inclasificable - es una brillante exploración de temas tan complejos como la justicia y el crímen y la responsabilidad social ante ellos, así como un thriller con tintes operáticos que obvia casi todos los convencionalismos de su género, trascendiendo sus orígenes, donde cada personaje tiene la oportunidad de brillar y contar su historia, donde todos deben enfrentarse a dilemas éticos, desde el ciudadano simple hasta el miembro más importante de las altas esferas de poder.
10.
Una actuación de leyenda y la mano segura de un director que sabe lo que hace pueden convertir un guión plagado de clichés en una cinta que redefine la historia del underdog.
11.
Sin duda que lo más interesante de Revolutionary Road es la oportunidad que nos da de reflexionar sobre el hecho de que todos pasaremos o estamos pasando por un momento similar al de Frank y April Wheeler – ese período crucial de nuestras vidas en el que nuestro día a día ya no está regido por lo que “queremos ser”, sino por lo que ya somos. La frustración, la ira y la decepción de Frank y April Wheeler son producto de que no son ni la sombra de lo que soñaban ser.
Hay un momento en que Kate Winslet nos demuestra por enésima vez lo extraordinaria intérprete que es: mirando por la ventana se da cuenta que Revolutionary Road, con sus jardines perfectamente arreglados y casas idílicas, es un reflejo del conformismo y falta de individualidad de las que había renegado toda su vida.
Aquí la desesperanza del mañana es peor que el vacío asfixiante de hoy.
12.
Una oda a la belleza que sólo un medio como el cine es capaz de contener y reflejar apropiadamente.
13.
Mike Leigh, un director que ha construído su carrera contando las historias comunes de la clase trabajadora Londinense, eleva una pregunta interesante - ¿La búsqueda de la felicidad como meta es un ejercicio inútil? ¿No es más sencillo forzamos nosotros mismos a ser felices cada día con cada acción por más insignificante que parezca?
14.
Aunque parezca difícil de creerlo, en Nueva York existen lugares como el que vemos en esta película, sacados del barrio más deprimido de cualquiera de nuestros países de latinoamérica.
Como esos barrios, este también está definido por la fuerza de su gente, por su entereza y su optimismo indestructible, su negación a rendirse frente a las adversidades, ya sean económicas, amorosas o familiares.
15.
Raúl Peralta es un hoyo negro emocional cuya única forma de llenarse y subsistir es robando identidades, destruyendo todo a su paso mientras los que están a su alrededor observan silentes sin hacer nada. La única forma de ser felíz es convirtiéndose en alguien más, en este caso Tony Manero, el personaje de Travolta en Saturday Night Fever.
Este hombre y su paso destructivo son una interesantísima metáfora de un país y su gente en su era más oscura.
La chilena Tony Manero es el arquetipo del nuevo cine latinoamericano al que los más incipientes [incluído el Dominicano] deben aspirar.
16.
En la guerra nunca hay ganadores, y esta interesantísima mezcla de documental y cinema verité animado es otra prueba de ello.
La película es utilizada por el propio director para reconstruir memorias que parecían enterradas por los horrores de una guerra tan absurda como todas las que le han precedido y las que vendrán.
17.
El de la mafia y el crímen organizado no es el mundo glamurizado y exitante que Hollywood nos ha hecho ver por años.
Aquí los criminales no se pasan el día haciendo comentarios inteligentes ni pensando en salidas sarcásticas, sino matando y destruyendo su comunidades. Un día no quedará nada.
18.
El encierro de Walter Vale en sí mismo resulta un interesante paralelismo con la burbuja en la que vive el americano clase media promedio, ignorando muchas de las realidades que están frente a sus ojos y que a veces prefiere ignorar, en este caso la del inmigrante dentro de Estados Unidos post-11 de septiembre.
Sólo la música y nuevas amistades pueden comenzar a abrir una coraza tan gruesa, eso hasta que ese ciudadano que por ignorancia u omisión no había reparado en la riqueza que le rodeaba se golpea de frente con la injusticia que con su pasividad ha ayudado a construir y fortalecer.
19.
Aquí tenemos a un grupo de mujeres inteligentes e independientes, una de ellas [Vicky - Rebecca Hall], sabe exactamente lo que quiere de la vida, pero se ve sorprendida por un deseo reprimido que un Don Juan Catalán ha despertado en ella, otra [Cristina - Scarlett Johansson] sin un rumbo claro, no sabe lo que quiere, y experimenta hasta darse cuenta de qué es lo que NO quiere, otra [Judy - Patricia Clarkson] con un enorme conflicto sobre lo que quiere y lo que debería abandonar para obtenerlo, y finalmente, una que vive desenfrenadamente para conseguir lo que quiere y cuando lo quiere [María Elena - Penélope Cruz].
El deseo y la manera en que ese sentimiento da forma a sus personalidades sería el tema principal, pero como en todas, absolutamente todas las películas de Allen [y las hemos visto todas más de una vez], todos sus personajes luchan por demostrar ante la sociedad su identidad y su valor, ya sea como Rowlands en Another Woman a través de su enorme inteligencia o Mia Farrow en The Purple Rose of Cairo en su amor por el cine, pero en el camino se dan cuenta que para lograrlo deben esconder su verdadero yo y actuar como alguien más para lograrlo - Vicky llega a Barcelona para avanzar en su tesis de grado de "Identidad Catalana" pero no sabe una palabra de español y de catalán mucho menos, Cristina se considera una artista "free-spirited" pero no tiene talento alguno, y María Elena esconde su genialidad artística tras una supuesta locura que no nos convence del todo.
El mensaje parecería ser que no hay nada como vivir libremente, de formas inesperadas y poco tradicionales, al margen de los convencionalismos de la sociedad, pero el Allen cínico nos deja claro que hasta los bohemios como Juan Antonio se hartan de ello y continuan buscando otras emociones diferentes que den sentido a sus vidas.
Y al final no hay conclusión alguna. Todos los personajes regresan a su exacto punto de partida. Todo tiene que cambiar para seguir siendo igual.
20.
Jeff Nichols sin dudas debió haber visto la infravalorada Abril Despedaçado de Walter Salles. La influencia es clara.
Aquí también hay dos familias rivales enfrascadas en una revancha que no tendrá fin hasta que hayan muerto todos y no quede nadie a quien vengar.
Esta es una de esas joyas que requiere un esfuerzo extra para ser encontradas. Gracias a Roger Ebert por dirigirme hacia ella.
21.
El director Andrés Baiz utiliza el manido recurso de “¡TODOS ESTAMOS CONECTADOS!” que directores como González Iñárritu han utilizado hasta hartarnos, pero aquí los personajes están conectados no por cosas absurdas como rifles regalados, sino por algo tan latente como el mal que todos llevamos dentro, ese que se haya esperando el empujoncito necesario para mostrar su cara más terrible.
Lo que más nos asusta y nos sacude de Satanás no es el hecho en sí que observamos desencadenarse paso a paso, inevitable hasta su cruenta ejecución, es ser testigos de forma tan fría y sin filtros de la auténtica cara del mal en su cotidianidad más pura. Ese que está a nuestro alrededor y del que no nos damos o no queremos darnos cuenta que existe.
22.
Luego de Contra La Pared, película que también vimos en la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo, en Al Otro Lado Fatih Akin continúa con su deseo de establecer una relación entre sus dos tierras, Alemania y Turquía, y el resultado, al igual que en Contra la Pared, es magnífico.
De igual forma que Baiz en Satanás , Fatih Akin no utiliza la técnica de estructura fragmentada y personajes entrelazados para crear momentos revelatorios sorprendentes en los que en situaciones que desafían la lógica los personajes o nosotros como audiencia descubrimos su interconexión. No. El interés de Akin no es tan efectista o simplista, lo suyo es que él como director y nosotros como audiencia encontremos las paradojas existentes en esas conexiones y hasta nos riamos de ellas. Desde la forma en que la muerte divide a unos y une a otros, y cómo padres e hijos se separan para luego terminar en los mismos lugares buscando las mismas cosas.
23.
Una historia de amor poco convencional, otra que está condenada a repetirse hasta la eternidad, con una víctima nueva cada cierta cantidad de tiempo.
Cuando en el futuro se hable de romances vampíricos del 2008, afortunadamente Twilight será mencionada sólo como una nota de pie.
24.
Otra historia de perseverancia y entereza elevada por una actuación que no conoce límites y no se ahorra emociones.
25.
Podrá tener serios problemas de tono y ejecución en su primer tercio, pero esta cinta ganadora del Premio Goya a la Mejor Película Española del 2008 contiene un mensaje tan punzante y urgente sobre la fé y la religión organizada, que es fácil obviar los fallos en su primera media hora ante la maestría puesta en marcha en su inolvidable última parte.
The Hollywood Reporter: “Winsome, touching and arguably the funniest Pixar effort ever, the gorgeously rendered, high-flying adventure is a tidy 90-minute distillation of all the signature touches that came before it.”
Roger Ebert: “this is a wonderful film. It tells a story… [Director Peter Docter's] whole film is an oblique rebuke to those who think action heroes have to be young.”
Time: “Extending the patented Pixar mix of humor and heart, Up is the studio’s most deeply emotional and affecting work.”
Screendaily: “Pete Docter’s Up is a marvel of a movie which will enchant cinemagoers around the world and remain a family favourite for decades to come. A highpoint of ingenuity and storytelling in the Pixar canon and indeed the animated form, this is a fitting opening to this year’s Cannes Film Festival; indeed it will be hard for any other film there to match the storytelling genius and gorgeous 3D imagery which Docter and his team have achieved.”
El estreno mundial de Up es esta noche en la gran gala de apertura del Festival de Cannes, en donde vamos a estar desde el próximo martes hasta su conclusión el domingo 24.
*primer post de los retrasados, cerrando capítulos antes de comenzar nuevos*
Dos mujeres echadas a un lado por la sociedad.
Una que nunca sabremos si también fue echada o su distanciamiento es voluntario.
Otra que con su entusiasmo desbordante pretende contagiar a todos.
Y en medio de ellas, un hombre que se esconde de todo y todos hasta que encuentra una razón para abrirse al mundo.
Cinco interpretaciones -nuestras favoritas del año pasado- que nos reafirman que perderse en una piel ajena es un arte:
Il y a Longtemps que je t'aime[Dir. Phillipe Claudel]
Juliette,interpretada por Kristin Scott Thomas.
En el 2002, Rosanna Arquette realizó un interesante documental llamado Searching for Debra Winger. En el mismo trataba de encontrar las razones por las que Debra Winger -una de las actrices que definió los años 80- había desaparecido de las pantallas.
Mientras aquí en Europa se trata a mujeres como Catherine Deneuve e Isabelle Huppert como diosas, en Hollywood, una vez una actríz pasa de los 40 años, es casi como si dejara de existir. Debra Winger fue una de esas.
En los últimos años hemos visto cómo actrices de la talla de Glenn Close, Holly Hunter, Sigourney Weaver o Jessica Lange han tenido que recurrir a la televisión para conseguir roles a su altura, y no los de madres y abuelas que el sistema les ofrece. Otras como Kathleen Turner de plano se han retirado.
Una de esas actrices que ha optado por quedarse donde sí es apreciada es Kristin Scott Thomas, quien a pesar de ser inglesa, desde años reside en París.
Luego de destacar en Four Weddings and a Funeral, la gran oportunidad de Scott Thomas llegó con The English Patient. Desde ese entonces, por su apariencia fría y su belleza señorial, Hollywood la relegó a papeles de gran dama o películas de época de menor importancia. Luego de roles secundarios en películas tan dispensables como The Other Boleyn Girl, regresa con el papel de su carrera.
Es difícil recordar otra ocasión en la que un par de ojos fuesen tan bien utilizados, reflejando el enorme dolor de una mujer que se rehusa a externalo. A este tipo de actuación tan introspectiva, que nació junto con Brando, Dean, Clift y la escuela del "Method Acting", solía llamársele "bottled-up acting", donde el intérprete parecía embotellar dentro de sí todo lo que sentía, demostrándolo sólo en contadas ocasiones que resultaban imposibles de olvidar.
La actuación de Scott Thomas es interesante por dos cosas: su apego a un clasicismo técnico, evidencia de una actríz que se ha entrenado por años, pero dejando de lado los tics que conlleva el academicismo estricto, y a la vez por una naturalidad y desenvoltura que muchos veteranos parecen perder con el paso de los años.
A pesar de sus problemas que son muchos, la película resulta una interesante pieza sobre lo que significa reinsertarse a un mundo que es ajeno y a la vez familiar. Enfrentarse a la realidad de que a pesar de nuestra ausencia, el mundo no ha dejado de girar y nada permanece como lo dejamos.
Sin dudas, lo que más se queda con este espectador es la angustiante noción de que en algún momento de nuestras vidas llegaremos a un punto en el que el peso de nuestro pasado nos resulte insostenible.
Frozen River[Dir. Courtney Hunt]
Eddy Ray,interpretada por Melissa Leo.
"Desperate times call for desperate measures"
En un rincón olvidado en la frontera entre Estados Unidos y Canadá vive una mujer que no ha tenido muchas oportunidades en la vida. Cuando finalmente se presenta una, precisamente en un momento en el que ha perdido casi todo, la toma sin pensar en las consecuencias.
La debutante directora y guionista Courtney Hunt [nominada al Oscar por su guión] logra, evitando en todo momento caer en el facilismo del melodrama, imbuir un sentido de desesperanza y derrota en su relato con una destreza que nos sorprende para una novata. En este tipo de historias los personajes generalmente terminan convirtiéndose en simples vehículos para servir las necesidades del guíon, pero aquí todos y cada uno de los ellos actúan orgánicamente, según los instintos y necesidades de sus caracteres.
Observar a Melissa Leo -una character actress consumada a la que hemos visto en múltiples ocasiones sin reparar demasiado en ella- transformarse en esta mujer es un master class de actuación, despojado de toda artificialidad y rigidez. Aquí somos testigos de una una interpretación que más que actuada parece vivida.
Eddy Ray es una mujer golpeada una y otra vez, pero no destruída. En un close-up o con una simple mirada, Melissa Leo nos lo deja claro.
Estamos ante una mujer empujada por el sentimiento más primal, el más intrínseco del ser humano - el instinto de supervivencia, un sentimiento con el que no dudamos más de uno se sienta identificado dada la situación económica actual.
Si los premios Oscar en realidad se trataran de reconocer la excelencia, Melissa Leo hubiese sido la ganadora.
The Visitor[Dir. Thomas McCarthy]
Walter Vale,interpretado por Richard Jenkins.
Luego de la agradable sorpresa llamada The Station Agent, Thomas McCarthy era uno de esos directores cuyo próximo proyecto era uno que esperábamos con especial atención.
En aquella como en esta, el eje central de la historia es un hombre alienado del mundo que le rodea. Walter Vale es un hombre para el que aparentemente no existe otra opción que vivir un monótono día a día, haciendo lo posible para pasar desapercibido. La muerte de su esposa parece haberse llevado el último rastro de conexión con una sociedad de la que se siente ajeno, llegando por ello a rayar en la misantropía.
El encierro de Walter en sí mismo resulta un interesante paralelismo con la burbuja en la que vive el americano clase media promedio, ignorando muchas de las realidades que están frente a sus ojos y que a veces prefiere ignorar, en este caso la del inmigrante dentro de Estados Unidos post-11 de septiembre.
Sólo la música y nuevas amistades pueden comenzar a abrir una coraza tan gruesa, eso hasta que ese ciudadano que por ignorancia u omisión no había reparado en la riqueza que le rodeaba se golpea de frente con la injusticia que con su pasividad ha ayudado a construir y fortalecer.
Richard Jenkins es otro character actor al que como Melissa Leo hemos visto infinidad de veces sin darnos cuenta, lo que hace que una actuación como esta resulte tal revelación. Observar como el rostro y el lenguaje corporal de un intérprete van cambiando con tal naturalismo y espontaneidad es un verdadero privilegio.
Wendy and Lucy[Dir. Kelly Reichardt]
Wendy, interpretada por Michelle Williams.
En estos meses nos ha tocado aprender algo de lo que significa estar solo, así que esta película nos tocó de forma particular. Con seguridad podemos decir que jamás habíamos visto un retrato tan efectivo y sincero sobre la soledad.
Wendy es un personaje que, por alguna razón que no conocemos concretamente ["They need people up there"], ha decidido alejarse de todo y emprender un viaje a Alaska con su perra Lucy como única acompañante.
La relación entre Wendy y Lucy es tan interesante como la que surge entre Lucy y la naturaleza. La relación hombre-naturaleza ya había sido explorada por Kelly Reichardt en su película anterior Old Joy,pero aquí es llevada un paso más allá - ¿Cuánto vale una persona cuando no posee nada? ¿Qué significa necesitar y no ser necesitado?
El minimalismo extremo en la puesta en escena no disminuye la efectividad de una historia que sorprende por la simpleza de su superficie y por la complejidad presente en su subtexto.
La interpretación de Michelle Williams, sin duda alguna la mejor que vimos en todo el 2008, es una extensión de ese minimalismo que oculta una riqueza que lamentablemente los ojos menos discernidores no podrán captar. Silente y observadora como la cámara de Reichardt, Wendy es un espejo en el que hasta resulta molesto mirarse, en ella muchos podríamos ver reflejado el que podría ser el resultado de muchas decisiones mal tomadas y caminos equivocados. ¿Con cuántas Wendys nos habremos topado el día de hoy en la calle?
Happy-Go-Lucky[Dir. Mike Leigh]
Poppy, interpretada por Sally Hawkins.
Mike Leigh, un director que ha construído su carrera contando las historias comunes de la clase trabajadora Londinense, eleva una pregunta interesante - ¿La búsqueda de la felicidad como meta es un ejercicio inútil? ¿No es más sencillo forzamos nosotros mismos a ser felices cada día con cada acción por más insignificante que parezca?
Tal cual como ha sido magistralmente interpretada por Sally Hawkins, todos necesitamos una Poppy en nuestras vidas.
El próximo post es el recuento de lo mejor del año pasado.
Cada vez que alguien me pregunta que [y últimamente es casi una vez a la semana] qué significa para mí el cine y por qué lo disfruto tanto, siempre menciono que el final de The Purple Rose of Cairoes la mejor respuesta a esa interrogante.
En esa que es una de las obras seminales de Woody Allen, el personaje de Mia Farrow parece ya acostumbrado a sufrir una decepción tras otra. Cecilia vive en medio de la peor crisis económica que su país haya visto en toda su historia, trabaja en algo que no la inspira, sabe que está destinada para grandes cosas, pero está casada con un hombre que la limita y al que desprecia. Su único refugio, al igual que el de millones de norteamericanos durante la gran depresión, es una sala de cine.
Al final, cuando sufre un golpe fulminante que parece la dejará destruída, acude a ese mismo refugio que la ha acogido tantas veces. En la mejor tradición de Fellini y el inolvidable final de su Cabiria, Cecilia, al ver bailar a Ginger Rogers y Fred Astaire en Top Hat sin ninguna preocupación en el mundo, entiende que la vida continúa a pesar de los obstáculos que se nos presentan, que todavía se puede soñar, y que sin dudas el mejor sitio para hacerlo es dentro de una sala de cine, el lugar en el que los problemas no desaparecerán mágicamente, pero sí se pueden dejar en la puerta por un par de horas.
Después de años en los que se hablaba constantemente que la piratería, los videojuegos y la televisión acabarían con el acto de asistir al cine, este año Hollywood ha visto como semana tras semana los records de asistencia de público a las salas se rompen. El inesperado éxito de películas como Taken y Paul Blart: Mall Cop nos elude totalmente, pero durante esta nueva depresión económica parece estar sucediendo lo mismo que en la anterior: las salas están abarrotadas de Cecilias.
Cecilia es la cara misma del espectador que asiste a ese "cine escapista", que comenzando mañana con el estreno mundial de Wolverine, nos arropará por los próximos cuatro meses.
Ese mismo cine escapista que tantos se ocupan de atacar inútilmente año tras año con los mismos argumentos gastados [descerebrado, propagador de antivalores, etc], y que parecen olvidar es absolutamente indispensable para la subsistencia del cine como industria. Para hacer películas como Rachel Getting Married o Synecdoche NY, Columbia Pictures debe hacer una Hancock y una Spider-Man 3. Así funcionan las cosas.
Como ya es costumbre, este verano será otro lleno de remakes, adaptaciones de comic y series de televisión, pero como siempre, hay unos cuantos títulos que en teoría parecen destacar del montón, aunque al final terminemos decepcionados.
Estos once son los que esperamos con más ansias [con su fecha de estreno en EEUU]:
Los mockumentaries de Sacha Baron Cohen podrán no tener la clase y la inteligencia de los del genial Christopher Guest, como Best in Show y Waiting for Guffman, pero no puedo recordar una ocasión en la que me haya reído tanto en una sala de cine como cuando ví Borat.
Ahora regresa con otro infame de su galería de personajes, el periodista/crítico/diseñador de modas austríaco Bruno, paseándose desde las pasarelas de Milán hasta el punto más recóndito del corazón redneck de los Estados Unidos, en el camino burlándose de absolutamente todo.
Igual que Borat, esta seguro es una para ver sólo una vez y con mucha gente. A la segunda, cuando se ve en casa y sin público, ya se comienza a notar el cobre.
Estrenada la semana pasada en el Festival de Cine de Tribeca, la palabra comeback vuelve a utilizarse para referirse a Woody Allen.
Para los que consideramos que Allen nunca se fue a ninguna parte, este otro "comeback", junto con Vicky Cristina Barcelona, representa el nuevo renacer de un director del que, a pesar de lo que digan los detractores, no lo hemos visto todo aún.
Después de andar por Londres y Barcelona, regresa a terreno familiar: su New York poblado de personajes misántropos, neuróticos y brillantes.
Decir que Transformers sea la mejor película del hackteur extraordinaire Michael Bay es como decir que el poder doblar a la derecha en rojo sea el mayor logro de un gobierno del PRD.
Aún así, con todos sus problemas, la primera fue una experiencia divertidisíma y un guilty pleasure del que no nos apenamos demasiado. Aunque esperamos que esta sea más de lo mismo, conociendo a Bay, es mejor mantener las expectativas bajo control y estar preparado para lo peor.
Para recuperarse luego de haber caído en un enorme hoyo creativo, el autor verdadero generalmente termina regresando a sus orígenes.
Eso precisamente es lo que ha hecho Sam Raimi luego del desastre que significó Spider-Man 3: regresar con una historia de terror serie "B" al estilo de sus celebradísimas Army of Darkness y la trilogía de Evil Dead.
Maldiciones gitanas, actuaciones que rayan en lo campy y mucho gore es lo que trae en este nuevo proyecto.
Igual que como se era o de Los Beatles o Los Rollings Stones, también se era de Star Wars o Star Trek.
Aunque Star Trek: The Wrath of Khan [Khaaaaaan] es una de las películas definitivas de nuestra infancia, la que debimos haber visto mucho más de 20 veces, el universo de Star Trek era y es muy pobre cuando se compara con el de la trilogía original de Star Wars.
Siguiendo el ejemplo de otras franquicias que decidieron empezar de cero y lo logracon con enorme éxito con películas como Casino Royale y Batman Begins, nuestro geek favorito J.J. Abrams parece haber logrado lo imposible - que una franquicia desfasada y moribunda use partes de sus propias ruinas, alzándose remozada y lista para ser descubierta por una nueva generación.
Una de las sensaciones del pasado Festival de Venecia. Cuando estuvimos allí, era la película más comentada por la prensa y el público, por lo que resulta curioso que tardara tanto para encontrar distribución en Estados Unidos.
La talentosísima Kathryn Bigelow, quien amén de ser una de las únicas cuatro o cinco directoras activas, también es de los pocos realizadores que sabe mezclar exitosamente acción pulsante con pathos, y todo parece indicar que aquí lo logra nuevamente.
El mayor problema de la película será superar la aversión del público estadounidense por cualquier película que huela al medio oriente o los conflictos en Iraq, lo que ha resultado en el fracaso de películas tan valiosas como In the Valley of Elah, y de otras no tanto como Rendition, The Kingdom y Lions for Lambs.
Luego de The 40 Year Old Virgin y Knocked Up, confiamos casi ciegamente en Judd Apatow.
La historia del hombre que decide cambiar su vida luego de saber que está al borde de la muerte se ha hecho infinidad de veces, pero los que ya han visto Funny People afirman que Apatow logra en su tercer largometraje combinar comedia y tragedia al mejor estilo de James L. Brooks y Preston Sturges, con quienes ya ha sido comparado en el pasado.
Sólo un grande como Paul Thomas Anderson ha logrado que Adam Sandler sea pasable por períodos de más de diez minutos.
Qué felicidad que los tiempos en los que había que esperar hasta 2 años entre una película de Pixar y otra ya hayan pasado.
Estamos algo asustados, porque luego de Ratatouille y WALL•E, o se continúa la difícil tarea de seguir subiendo y superando los trabajos anteriores, o se cae al nivel de Cars.
Este parece ser su proyecto más adulto y arriesgado, obviamente inspirado en su realismo mágico por el trabajo de Hayao Miyazaki.
Otro director que tras un gran fracaso [sólo económico, no artístico ni creativo, si me preguntan] como Miami Vice decide regresar a una fórmula que ya le ha probado exitosa [Heat], en un período que cobra más vigencia que nunca [La Gran Depresión], y con dos estrellas carismáticas y talentosas [Johnny Depp y Christian Bale].
John Dillinger se convirtió en una especie de Robin Hood aclamado por las masas desesperanzadas que morían de hambre, porque robaba a los bancos que muchos sentían eran los responsables de haber robado el bienestar del pueblo. ¿Esa historia no les recuerda algo?
Lo que está en juego ahora para Harry, sus amigos y el mundo de los muggles es más trascendental que nunca. Ahora la lucha es verdaderamente a muerte, los juegos de niños quedan atrás.
Luego de superar con éxito la prueba de adaptar una de las entregas más difíciles de la saga, David Yates se enfrenta a otro reto mayor: adaptar el libro más pesado, el que contiene más exposición y menos recompensas para el lector. A excepción de una.
El saber llevar a la pantalla con éxito ese momento será el mayor logro de esta película.
Ron Howard y Tom Hanks harán lo posible por redimirse del desastre que fue El Código Da Vinci. Tomando en cuenta el material con que cuentan, no creo que lo logren.
Si algo bueno tiene este tipo de películas es que al menos incentivan [intencionalmente o no] al público que las ve a investigar algo sobre los personajes históricos y las situaciones que retrata. Eso es todo.
Nick Cassavetes vuelve a la fórmula que le dio éxito con The Notebook: historias que hacen que escurra leche condensada de las pantallas. Su padre John Cassavetes no debe estar observándolo con mucho orgullo desde ultratumba.
Igual que Shrek, esta es otra franquicia animada que muestra signos de desgaste desde el mismo final de su primera entrega. Pero detalles tan simples como ese nunca han detenido a Hollywood para seguir ordeñando la vaca hasta que se caiga muerta.
Con el enorme éxito comercial consecutivo de The Devil Wears Prada y Mamma Mia, Meryl Streep ha logrado lo que nadie se hubiese imaginado jamás: convertirse en la actríz más taquillera del mundo a sus 60 años. Que le aproveche.
*Las Curiosidades [¿Qué Hacen Estrenándose en el Verano?]*
Steven Soderbergh ha moldeado su carrera haciendo una pélicula para complacerse él como autor, y otra para hacerle millones al sistema que le regala la oportunidad de hacer sus experimentos realidad. Este, la historia de una prostituta de alto rango protagonizado por la actríz porno Sasha Grey, parece ser el más experimental de todos sus proyectos.
Jim Jarmusch es de los pocos directores verdadera y absolutamente independientes, con un letrero de "Absolutely NOT for sale" en la frente. Cada proyecto nuevo suyo es motivo de entusiasmo.
La reunión Michelle Pfieffer-Stephen Frears tardó mas de 20 años, pero a juzgar por la reacción en el pasado Festival de Berlín, la espera valió la pena. Ya se habla de Oscar para Pfieffer.
Coppola repite constantemente que se encuentra en el período más creativo de su carrera y ahora se encuentra haciendo las películas experimentales que siempre quiso hacer. Esta se estrena en el Quinzaine des Réalisateurs de Cannes y es una de las que más esperamos ver allá.
Luego de Brokeback Mountain, y sobre todo la exquisita y brutalmente subvaluada Lust, Caution, Ang Lee se ha convertido en uno de los autores más importantes del mundo. Este vistazo a los orígenes del festival musical más famoso de la historia se estrena también en la Sección Oficial del próximo Festival de Cannes.
La Gran Bretaña de los 60 quedó definida por la música rock que tocaban las estaciones radiales clandestinas - desde The Who y David Bowie hasta Dusty Springfield y Cat Stevens. La película fue fríamente recibida por la crítica británica, pero el soundtrack es una verdadera joya. Consíganlo.
La cuarta entrega que nadie ha pedido de una franquicia que se niega a morir, ahora con un gimmick [la proyección en 3D] que en su momento también terminó siendo destruído por películas de terror de calidad cuestionable.
En L'Avventura, Monica Vitti se sorprende al ver lo que se avecina...
Lo mejor de la edición número 62 del Festival de Cine de Cannes no es que veremos películas nuevas de Liang-Ming Tsai, Alain Resnais o Quentin Tarantino.
Tampoco que veremos el regreso triunfal a la Croissette de directores como Lars Von Trier o Jane Campion.
Lo mejor sin duda será que, cumpliendo un sueño de toda la vida, quien suscribe, el administrador de este humilde espacio, estará ALLÍ para verlo TODO de cerca.
La Sección Oficial:
Los Abrazos Rotos, de Pedro Almodóvar
Fish Tank, de Andrea Arnold
Un Prophète, de Jacques Audinard
Vincere, de Marco Bellocchio
Bright Star, de Jane Campion
Map of the Sounds of Tokyo, de Isabel Coixet
A L'Origine, de Xavier Giannolo
Das Weisse Band, de Michael Haneke
Taking Woodstock, de Ang Lee
Looking for Eric, de Ken Loach
Chun Feng Chen Zui De Ye Wan [Spring Forever], de Lou Ye
Por primera vez en su historia, el Festival inicia con una película animada que, por supuesto, tenía que ser de Pixar - Up de Pete Docter [Monsters Inc.]
*Un breve parentesis entre los 250 posts retrasados para decir lo siguiente*
Casi no veo televisión. No tengo ni las ganas de atarme, ni la disposición, ni la memoria para recordar que en tal fecha a tal hora en tal canal saldrá al aire un episodio nuevo de tal serie. Hasta ahora.
En un episodio de la primera temporada de Mad Men -cuya excepcional edición en blu-ray devoré completa en 2 días- Don Draper, un personaje cuya genialidad en caracterización sólo es igualada por su misterio, lee en la cama junto a su esposa Betty el famoso libro de Rona Jaffe The Best of Everything, un fenómeno literiario a partir de su lanzamiento en 1958 por la forma en aquel entonces revolucionaria en que describía algo tan nuevo como la lucha de la mujer por encontrar su lugar en un mundo laboral regido por los hombres.
Mad Men nos muestra algo sobre ese mundo, y el resultado es una extraordinaria máquina del tiempo que nos transporta a una era en que los hombres eran hombres y las mujeres...obedecían órdenes.
Esos hombres están representados por Don Draper, el alpha male por antonomasia. Hombre de familia, militar condecorado, womanizer que entre cada cigarrillo y cada copa de rye deslumbra a compañeros y clientes por igual con sus ideas, pero también es un hombre que miente sobre su pasado y su presente, consiguiendo que ese pasado que le pesa tanto interfiera con su vida personal y profesional...o por lo menos lo intenta.
Don Draper es la mente creativa detrás de la agencia publicitaria Sterling and Cooper en el New York de 1960, la era en la que vender a las masas se convirtió en todo un arte. Una era regida por unas reglas de vida tan estrictas en la que hombres y mujeres sólo podían obtener la felicidad teniendo ciertas cosas y comportándose de ciertas maneras. Utilizar el mundo de la publicidad de aquel entonces sirve como un excelente vehículo para demostrar la dicotomía existente entre la imagen que la gente tenía sobre sí misma y la que realmente era y deseaba alcanzar.
En este tiempo la mujer sólo contaba con dos opciones: o actuar como una doméstica en casa, o actuar como una doméstica en la oficina. En una escena del primer episodio, Joan Holloway, la deliciosa administradora/head bitch in charge de las oficinas de Sterling Cooper, le dice a la nueva empleada Peggy Olson que la secretaria ideal es "[una] combinación entre figura materna y camarera."
Aunque el hombre era la figura principal en este tiempo, aquí los personajes femeninos son los más ricos. Nos encontramos con la mujer norteamericana de los 60 en sus tres variantes:
- Betty, la esposa de Don Draper, es una mujer que ha abandonado toda noción de individualidad y búsqueda de logros personales para dedicarse a convertirse en la mujer ideal - hermosa, siempre inmaculadamente arreglada, la envidia de los amigos del marido, ama de casa y madre perfecta, pero que detrás de ese disfraz de perfección que en cada episodio se derrumba cada vez más se oculta una mujer frustrada, que vive sólo para complacer a los demás y por ello ya ni sabe lo que quiere en la vida.
- Peggy Olson, la nueva secretaria de Don Draper, representa a la "nueva mujer", la que sabe exactamente lo que quiere y sale a buscarlo, y por ello se gana el rechazo de sus compañeros que la ven como un bicho raro. También es la mujer que para lograr lo que desea tendrá que hacer compromisos y actuar de acuerdo a las reglas de los hombres.
- Joan Holloway es la Marilyn Monroe a la que todos los hombres desean pero con la que nunca se casarían. Una mujer que seguramente en algún punto de su vida fue una idealista como Peggy, pero que en el camino se dio cuenta de la futilidad de esa actitud y comenzó a comportarse como los hombres esperaban que lo hicera, entendiendo que en aquel entonces era la única forma de obtener lo que quería: poder y control.
Matthew Weiner, creador, guionista y director de varios episodios de la primera temporada, utiliza en Mad Men la misma técnica que David Chase en The Sopranos [de la que Weiner también era guionista]: cada episodio representa una pieza de un gran arco dramático que planea desarrollar a lo largo de toda la temporada. Aquí las personalidades de cada personaje van definiéndose paulatinamente, y el uso de pequeños detalles y escenas que a primera vista paracieran no tiener razón de ser sirven como especie de semillas que se plantan para recoger sus frutos más tarde en forma de futuras historias o desarrollo de los personajes. El ejemplo más claro sería cuando en uno de los primeros episodios Don Draper en su viaje diario en tren hacia Manhattan se encuentra con un hombre que le llama Dick Whitman. Ese simple detalle no se toca hasta más tarde, cuando finalmente entendemos el enorme significado de esa escena.
Cada episodio nos deja clara la idea de que hay un misterio revelándose poco a poco, en el que las piezas que se nos muestran pueden o no servir como pistas para decifrar un gran rompecabezas, en este caso la vida pasada de Don Draper, un hombre que pareciera estar desprovisto de sentimientos que no fuesen fríamente ensayados, pero que por momentos nos ofrece destellos de su verdadera personalidad, como en el mejor momento de toda la primera temporada, en la que demuestra su genialidad como vendedor de ideas, dejando a sus clientes y compañeros boquiabiertos al presentarles un proyector fotográfico como un instrumento de escape del presente que lo asfixia.
En Mad Men, a diferencia de muchas series de culto de las que aparecen y desaparecen cada año, no hay superpoderes, no hay agentes de servicio secreto, no hay abogados ni intrigas amororsas/profesionales en un hospital - lo que sí hay son personajes únicos, una atención exquisita en la puesta en escena, pero sobre todo, algo que le falta al 95% de lo que se lanza en las salas de cine todos los años: historias meticulosamente bien planificadas, escritas y ejecutadas, con diálogos rebozados de inteligencia y cinismo que deberían causar la envidia de la mitad de los guionistas que escriben para cine.
A los que dicen que desde hace mucho los mejores guionistas están trabajando para la televisión y no el cine, ya les creo.
Para aquellos que desean contemplar la futilidad de la existencia humana en intoxicantes dosis de una hora, la tercera temporada inicia el próximo mes de Julio en AMC. Las dos primeras están disponibles en Región 1 de DVD y A de Blu-ray.
La segunda temporada se estrena en España por Canal + el próximo 6 de Mayo.
En anticipación de finalmente ver Los Abrazos Rotos esta noche, el fin de semana pasado me dí a la tarea de revisar las dos películas más importantes de Almodóvar en los últimos 10 años.
Es imposible pensar en la segunda sin la primera. Una marca el inicio de una nueva etapa en su carrera, la otra es la consagración de esa nueva voz. En una siembra los temas, los colores y obsesiones que recogerá siete años más tarde en la otra:
Todo Sobre Mi Madre [1999]
Manuela y su hijo Esteban ven All About Eve doblada al castellano en la televisión.
Bette Davis no es Bette Davis con ese acento de señora de sociedad madrileña, su voz es tan característica como sus ojos saltones. Los dos discuten sobre el título en español de la película: Eva al Desnudo. Debería ser Todo Sobre Eva, pero no importa.
La introducción de All About Eve y Margo Channing, la gran diva del teatro, no es fortuita. Nada en el cine de Almodóvar lo es. All About Eve es ante todo una película sobre mujeres y cómo se relacionan, y Margo Channing es el sol en torno al cual giran todas. Lo del mundo del teatro y sus intrigas es sólo un trasfondo para explorar estas relaciones tan complejas.
Como Almodóvar no es tímido cuando de referenciar el cine que lo apasiona e inspira se trata, aquí también hay una diva del teatro, cuya historia y relación con el hijo de Manuela recuerdan en más de un detalle a la obra maestra de Cassavetes Opening Night, pero el personaje femenino hacia el cual gravitan las mujeres de esta historia no es la Huma Rujo que tanto se parece a Gena Rowlands en Opening Night y a la Petra von Kant de Fassbinder, sino la misma Manuela.
El cine de Almodóvar y los personajes que lo habitan son cualquier cosa menos contemplativos y pasivos, todos siempre buscan algo activamente. Tanto Esteban como Manuela están definidos como personajes por sus búsquedas: Esteban sabe exactamente qué - su padre- y como respuesta a esa búsqueda y la angustia que le causa, escribe un guión llamado Todo Sobre Mi Madre, en el que trata de plasmar su frustración. El hecho que desencadenará la búsqueda de Manuela está por suceder.
Nos encontramos en Manuela con una mujer que ha visto su vida truncada por interrupciones -la súbita muerte de su hijo siendo la más reciente- por lo que tampoco es fortuito que Almodóvar dedique unos segundos a establecer la llegada de Manuela a Barcelona con una toma en la que observa contemplativamente a la Sagrada Familia, la madre de todas las interrupciones, y para informarnos sutilmente que las familias inconclusas o interrumpidas serán una cuestión clave.
Hablando de 'búsquedas', uno de los temas que más apasionan a Almodóvar es esa búsqueda constante -física o emocional- de los padres por los hijos y los hijos por los padres, así que la búsqueda de Manuela en esta historia será completar la de Esteban. Para ello abandona Madrid y regresa a Barcelona a reencontrarse con el padre de su hijo, tratando de hallar en ese eventual reencuentro algún atenuante a su dolor de madre, y quizás algo más.
Manuela trabajaba como enfermera en una clínica de transplantes de órganos, y en esta nueva etapa de su vida la donante por primera vez será ella. Sin proponérselo, regalará un poco de sí a un grupo de mujeres salidas de una obra de García Lorca con las que se irá encontrando a lo largo de esta historia, y a su vez, recibirá un transplante de cada una de ellas, ya sean ellas una actríz, una monja, un travesti o una prostituta.
Almodóvar es un admirador confeso del melodrama Hollywoodense, y aquí finalmente consigue juntar con éxito todo lo que aprendió de los filmes de John Stahl como Imitation of Life [y el remake de Douglas Sirk] y combinarlos con su característico humor transgresor y sus personajes estrambóticos salidos de una fantasía Fellinezca. Por primera vez en su carrera, este desenfado viene acompañado de algo más: una lágrima [o varias]. Por fin este humor se encuentra soportado por una historia y unos temas subyacentes que le dan una resonancia trascendental.
En una de las escenas más memorables, el transexual Agrado cuenta a la audiencia de Un Tranvía Llamado Deseo que una mujer es más auténtica mientras más se parece lo que soñó de sí misma.
Precisamente eso lo que busca Manuela, reencontrar su autenticidad en sus raíces, LAS raíces de por qué su vida se convirtió en algo tan alejado del ideal que tuvo en sus años de juventud en Barcelona. La única forma de forjar un futuro es sanando las heridas que parecen imborrables y saldando las cuentas pendientes de su pasado.
Todo Sobre Mi Madre es es Todo Sobre el Amor sin Condiciones, el amor que no es egoísta, ese que significa entregarse completamente a alguien más, ya sea a sus nuevas amigas, a la memoria de un hijo muerto, o un nuevo hijo que las circunstancias le regalan.
En el camino de esta búsqueda, Manuela tambíen entiende la importancia de saber perdonar incluso lo aparentemente imperdonable para poder crecer, pero sobre todo entiende todo sobre la riqueza de la vida en comunidad, de ayudar a los demás y compartir las penas, porque las cruces pesan menos cuando se comparte su carga.
Volver [2006]
"Desde que empecé a salir de España para promocionar mis películas, siempre me han preguntado por el asunto del color. Normalmente aludo al arte pop de los años sesenta, época en la que me formé, y también al hecho de que cuando descubrí el cine al final de los años cincuenta, las películas que recuerdo eran en technicolor, y esa coloración explosiva me ha perseguido siempre. Además de que los colores brillantes son los que mejor representan la pasión de mis personajes y el barroquismo de mis historias.
Al final de los 90 una periodista de Le Monde me volvía preguntar por "la couleur" de mis películas. Habíamos hecho una buena entrevista y la periodista me había caído muy bien. Pensé que merecía que me esforzara por encontrar una respuesta distinta de la que ya tenía automatizada. Me esforcé, y mi esfuero se vio recompensado por el descubrimiento de una hipótesis improvisada que a mí mismo me sorprendió.
Mi madre tenía un pequeño papel en "Mujeres al borde de un ataque de nervios", la locutora de grandes gafas que lee las noticias del telediario, junto a un vaso de agua del que bebe de vez en cuando. La acompañé con el estilista de la película a El Corte Inglés para elegir la ropa del personaje, quería encontrar un vestido que además le gustara a ella porque pensaba regalárselo. Vimos muchos vestidos de señora mayor, casi todos oscuros, y de pronto oí lo que le decía a la dependienta: "No quiero nada oscuro, ni negro. ¡No puedo con el negro!"
Con la espontaneidad que la caracterizó toda su vida, y que yo heredé hasta que en algún momento la perdí, mi madre le explicó a la dependienta que había guardado luto desde los tres años hasta pasados los treina. Detalló: A los tres años se le murió su padre, antes de cumplir con el luto se le murió un tío carnal, y así sucesivamente hasta que tuvo más de treinta años. Yo no sabía nada, era la primera vez que escuchaba esto y me quedé estupefacto."
Aquí volvemos a terreno familiar. La explosión de colores, las mujeres de todos los ámbitos, las tragedias familiares, los secretos, las madres e hijas y sus historias que se repiten, pero quien cuenta estas historias ahora es un artista en la plenitud de su carrera como autor. Como ningún otro director contemporáneo, Almodóvar sabe jugar a la vez con géneros y cambios de tonalidad en una misma película sin comprometer su historia ni la autenticidad de las acciones de sus personajes.
Nuevamente, el humor gobierna la historia, pero ahora los temas que lo acompañan son más profundos. Ahora el Sacrificio es el centro dramático.
Irene, el personaje interpretado por Carmen Maura, es una madre que ha vivido como un fantasma por años, sacrificando la vida que tanto anhela junto a sus hijas para pagar la culpa del peor pecado que puede cometer una personaje femenino Almodovariano: haber matado a otra mujer y haber dejado a una hija sin su madre. La única forma de atenuar un hecho como ese es cuidando a esa hija despojada de su madre, ahora en la espera de la muerte de un cáncer terminal. Aunque Maura haya decidido 'volver' de entre los muertos, entiende que debe permancer como un fantasma hasta saldar esa cuenta pendiente.
Del otro lado nos encontramos con Raimunda, una mujer fruto de la ausencia de su madre y de un mundo gobernado por los hombres, pero en el que las mujeres toman las decisiones desde las sombras. La solidaridad entre unas y otras es lo único con lo que verdaderamente pueden contar, ya sea en La Mancha, en donde hombres y mujeres parecen vivir en mundos separados hasta que toca cerrar la puerta de la habitación, o en los barrios de clase trabajadora de Madrid, donde una mujer puede reinventarse como quiera, hasta como una estilista rusa [¡o Dominicana!].
En una escena hacia el final, Irene ve en la televisión Bellissima, la algo olvidada película de Luchino Visconti sobre una madre italiana que no escatima en sus esfuerzos para lograr lo que ella cree es la felicidad de su hija, y para crear a Raimunda, Almodóvar se inspira en ese arquetipo de la "Madre Mediterránea" creada por actrices como Anna Magnani en Mamma Roma o Sophia Loren en La Ciociara . Emulándolas, Penélope Cruz enciende la pantalla con un carisma que sus malas elecciones en Hollywood nos habían hecho olvidar. Lo logra con la mezcla adecuada de ferocidad y vulnerabilidad, siendo el mejor ejemplo de ello una escena difícil de olvidar en la que canta en honor a su madre sobre la dificultad de enfrentar los errores pasados y de reconciliar el pasado con el presente.
El impresionante parecido físico no hay ni que mencionarlo. Penélope en Vólver y Sophia Loren en La Ciociara, la "Madre Mediterránea" por antonomasia.
Volver también es una película sobre la muerte y la forma en que se lidia con ella. Aunque al principio podría dar la impresión de que Almodóvar romantiza con el uso del realismo mágico la idea de morir y regresar para velar por los que se dejan detrás, en la mejor tradición del neorrealismo italiano al que hace reverencia con sus heroínas, nos regresa a la realidad de un tirón. Al final nos queda claro que en la vida real los problemas no son resueltos mágicamente por presencias del más allá, sino por los sacrificios hechos por las gentes [si le preguntan a Almodóvar, casi siempre mujeres] dispuestas a hacerlos.
El año es 1985, plena guerra fría, y un terriblemente maquillado Richard Nixon se encuentra ejerciendo su quinto mandato.
El reloj simbólico que alerta sobre las tensiones entre Estados Unidos y la USSR apunta que faltan cinco minutos para la 12. Mientras más se acercan las manecillas a la medianoche, más cerca está de comenzar una guerra nuclear que terminará con la humanidad.
La imagen de estos Estados Unidos ochenteros creados por Alan Moore y Dave Gibbons surgió como una especie de respuesta al sentimiento de paranoia colectiva existente durante la guerra fría, apaciguado en parte por el clima de supuesto bienestar propuesto por la cara más pura del conservadurismo: Ronald Reagan.
Aquí nos encontramos de frente con una nación moralmente ambivalente, en la que nadie sabe lo que es correcto o no, aterrada por su inevitable destrucción por parte del "enemigo", sin darse cuenta que el enemigo era ella misma y su gente.
Watchmen, la novela gráfica creada por Moore y Gibbons es la crónica de una nación y los hechos que definieron su historia reciente, desde Hiroshima hasta Vietnam, nutrida de la cultura pop de la época, de la música de Bob Dylan y el Dr. Strangelove de Stanley Kubrick, el Travis Bickle de Taxi Driver obsesionado con limpiar las calles de la ciudad de la escoria que las habita, de un clima político en el que la destrucción era cuestión de Cuándo y no de Por Qué, todo esto utilizando como vehículo uno de los géneros literarios [sí, es un género literario legitimo] más distintivamente norteamericanos, con el mito más netamente norteamericano que existe después del cowboy: el superhéroe.
Así como los pueblos tienen los gobiernos que se merecen, en este universo también tienen los superhéroes que se merecen. Los Watchmen pueden llegar a ser tan despreciables como los villanos contra los que luchan. No hablamos de héroes que enarbolan los ideales norteamericanos como Spider-Man o Superman, sino de individuos pretenciosos, ególatras y excesivamente violentos, que parecen luchar contra el mal por alguna urgencia intrínseca y no por proteger a los débiles y afligidos.
Estos superhéroes, que pasaron de ser Dioses aclamados por las masas a retirados forzados, habitan un New York decadente, vigilado desde el aire por dirigibles con forma de bombas atómicas que simbolizan la amenza nuclear que acecha omnipresente.
Con un material de la trascendencia y popularidad de Watchmen, una obra que hasta los más escépticos han abrazado por su profundidad e impacto cultural, la adaptación cinematográfica también era cuestión de Cuándo.
Watchmen,no dirigida, sino arrancada de la página sin imaginación ni tacto por "el visionario director" Zack Snyder, da otra razón para creer a los convencidos de queque no todo se puede y debe adaptar, y que el cine y la literatura son dos géneros tan afines como extremadamente diferentes. Traduciéndolo textualmente, el texto de Watchmen ha perdido todo su significado.
Primero, Snyder NO entiende a Alan Moore. No entiende su sentido de ironía, y trata todas las situaciones como setpieces épicos de una seriedad que espanta. Ni se molesta en explorar una de las partes más fuertes de la novela - el incisivo comentario político que todavía hoy mantiene una vigencia universal.
La incompetencia de Snyder como director le impide trasladar a la pantalla la fuerza presente en la imágen impresa del asesinato de una jóven embarazada, de una violación, del hastío de un ser superior con la humanidad, de la conclusión de una guerra en 3 meses, y la lista es interminable.
Snyder NO entiende la ambigüedad de un personaje como Ozzymandias, y dirige al terriblemente miscast Matthew Goode como un villano pomposo tipo Lex Luthor, y no como un hombre que al igual que el Presidente Harry Truman cuando decidió lanzar la bomba atómica está convencido de que está haciendo lo correcto.
Tampoco entiende que casi todos los momentos de acción presentes en la novela fueron inspirados visualmente por el cine en primer lugar, así que cuando los recrea en el cine como recuadros sacados de un comic pierden su efecto, y terminan combirtiéndose en interminables peleas excesivamente coreografiadas, que al final parecen sesiones de modelaje y no de combate. Todo adornado por un terrible uso de la cámara lenta que da la idea de un director tan impresionado con sus propias creaciones que debe observarlas despacito. Después de todo, estamos hablando del director de 300.
Snyder evidentemente tampoco entiende de sutileza [también nos quedó claro con 300] ni confía en su audiencia, con un grupo de elecciones musicales que sólo sirven para taladrar el mensaje que sus elecciones estéticas tan obvias ya habían logrado. The Sound of Silence durante un funeral, The Times They Are A'Changing mientras observamos un compendio de hechos que transformaron a una nación [por mucho, lo mejor de toda la película], Hallelujah durante la peor escena de sexo que jamás hemos visto, y [la que aún estamos batallando por entender] 99 Red Balloons durante una cita romántica.
Watchmen es una red complicada de hilos argumentales que funciona en la página porque deliberadamente se toma su tiempo para establecerlos debidamente. Snyder no se percata de que la grandeza de este grupo de personajes viene dada porque cada uno es explorado exhaustivamente en cada uno en los doce números de la novela, algo imposible de condensar ni en unos interminables 162 minutos. El resultado, a excepción de Roschach, son caracteres de cartón, definidos por poses y tics, mal dirigidos, y cuyas motivaciones nunca quedan bien definidas.
Watchmen como cine no tiene uso alguno. No hay picos dramáticos, no hay momentos de acción inspirados, no hay un climax trepidante, sólo una serie de viñetas que se suceden una tras otra sin ningún impacto emocional. Los momentos de la novela que nos sacuden tienen aquí la misma resonancia e intensidad que Spider-Man rescatando un bebé de un edificio en llamas.
Ya queda claro que una adaptación fiel de Watchmen simplemente no funciona, ahora sólo habrá que esperar 20 años más para que un director con visión de CINE haga justicia a este material. Un realizador que entienda al cine como medio de expresión como Alan Moore entiende la imagen impresa.
Los Abrazos Rotos, la más reciente película de Pedro Almodóvar, se estrenará aquí en España dentro de dos semanas.
Buscando información sobre el proyecto, me sorprendí de encontrarme con el tesoro que es el blog del propio Almodóvar, y él sus reflexiones durante la pre-producción y el rodaje de la película.
Aunque no escribe desde que concluyó el rodaje en septiembre del año pasado, me sorprendió gratamente el encontrarme con lo siguiente en su última entrada:
"...Esto me recuerda al último Premio Pulitzer, “La increíble historia de Oscar Wao” del escritor dominicano Junot Díaz. En esa novela sí que hay un verdadero lujo de “palabrerío”. Es la novela que mejor representa, para bien, los nuevos frutos lingüísticos nacidos de la mezcla viva y legítima del lenguaje caribeño con el inglés americano. Y no me refiero al spanglish.
En el premiado libro del dominicano no hay nada tipo “llámame pa trás” (call me back) en vez de “devuélveme la llamada” o simplemente “llámame tú”, ni “controversial” acentuado en la última a, en vez de “controvertido”. Tal vez me equivoque, pero muchas de las expresiones típicas del spanglish son el resultado de una pereza descomunal.
En “Oscar Wao” el espectáculo son las palabras. El lenguaje que Junot Díaz emplea está plagado de términos nuevos, inglés dominicanizado, que suenan maravillosamente. ¡Qué exuberancia, por Dios!"
Sí, Almodóvar es otro fanático de Junot y Oscar Wao, pero la mejor parte es la siguiente:
"Party whatcher- Parigüayo.
Por ejemplo, “parigüayo” (mi rebelde ordenador se empeña en poner “paraguayo”). Viene del inglés “party watcher” y se refiere a esos chicos con tantos kilos como complejos, que en los guateques tienen que conformarse con ver bailar y divertirse a los demás, mientras ellos se sumen en la melancolía y la frustración.
¿No es una palabra maravillosa, parigüayo? ¡Además suena a lo que significa!.
A diferencia del "parigüayo", nada más terminar de rodar han coincidido varios acontecimientos festivos e inevitables, y muy satisfactorios, a los que no he podido negarme. Al contrario del desgraciado "parigüayo", me he sentido en el centro de todas las fiestas y disfrutando de sus extremos."
Tengo entendido que Almodóvar y Penélope vendrán a Barcelona a presentar la película, así que si de casualidad algún representante de Sony Pictures España o de El Desdeo terminan leyendo esto, ME ENCANTARÍA asistir y hacerle entrega a Almodóvar de un diccionario de dominicanismos que lo fascinarán aún más.
Mientras tanto, aquí el poster oficial lanzado el día de hoy, y una breve descripción de la trama que nos intriga aún más sobre el proyecto:
"Los Abrazos Rotos es un una historia de amor rodada al estilo del film noir de los años 50 en su estado más puro, y mezclará referencias a In a Lonely Place de Nicholas Ray y The Bad and the Beautiful de Vicente Minnelli, todo con los temas emblemáticos de Almodóvar como trasfondo: el destino, el misterio de la creación artística, la culpa, el poder, y la eterna búsqueda de los padres por los hijos y los hijos por los padres."
Amén de los típicos temas del universo Almodóvar como el destino y las relaciones padres-hijos, que se mencionan en esa descripción, una de las cosas que más nos llaman la atención de Los Abrazos Rotos es que finalmente condensa en una sola cinta los temas que reaparecen una y otra vez en su cine post-Todo Sobre Mi Madre: su amor por el cine negro [las referencias a Double Indemnity en la segunda mitad de La Mala Educación], las divas de Hollywood [las referencias a Bette Davis y All About Eve en Todo Sobre mi Madre, y a Joan Crawford y Mildred Pierce en Volver], el proceso creativo de hacer una película [La Mala Educación] y explorar la idea de la existencia de una película dentro de una película [Hable con Ella].
No podemos esperar para verla:
Los Abrazos Rotos se estrena en España el 18 de Marzo, se presentará posiblemente en la Sección Oficial del Festival de Cannes en mayo, y llegará a Estados Unidos en noviembre.
Un director que utiliza los ahorros de toda una vida de trabajo para hacer un sueño realidad.
Como decía hace unos meses sobre Luz Silenciosa, cuando se ha visto mucho, muchísimo cine, la capacidad de asombro se diluye o pierde totalmente. Afortunadamente, cada cierto tiempo aparecen ciertas películas que desafían toda noción o paradigma de lo que creemos puede alcanzar el cine como medio artístico.
The Fall, segundo largometraje de Tarsem Singh, es una extravaganza visual y sonora que no deja dudas sobre el poder del cine para estimular, maravillar y lograr unir a un grupo de desconocidos en una sala oscura.
The Fall es un homenaje a Alva Edison y los Hermanos Lumière,
A Georges Méliès, el primer técnico que utilizó el celuloide como medio de experimentación,
A Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd, pero sobre todo a esos héroes anónimos -los stuntmen- que les ayudaban a hacer sus locuras realidad,
A David Lean y su paciencia en Lawrence of Arabia de esperar días y horas para que el sol se posara en el desierto de la forma exacta en la que él quería,
es la película para hacerlo.
